InterEscena El escenario en el ciberespacio

La adaptación de un texto clásico es en todo momento un riesgo, porque de la interpretación de los guionistas, directores, escenógrafos, actores y hasta del mismo público depende que tanto una obra cobre fidelidad respecto al original.

En el caso del mito de Medea que ha sido sujeto de muchas interpretaciones sabemos que ha sido identificado prácticamente con todos, desde el génesis hasta textos feministas, esto nos deja ver que el reto que tomó David Hevia al hacer Play Medea no es cosa fácil, ya desde el mismo título y programa de mano podemos inferir que se trata de un traslado del texto clásico a nuestro tiempo que se presenta, hasta el 14 de diciembre, de jueves a domingo en el Teatro El Galeón del Centro Cultural del Bosque.

Cabe mencionar que la Medea de Hevia rescata el concepto original y respeta en buena parte los parlamentos de los personajes, particularmente de quien le da título a la obra, que sumado a la destacada actuación de Carolina Politti, quien a través de su fuerza interpretativa hace una mujer que combina el amor exaltado hacia los hijos y hacia la pareja, siendo ella una extranjera que vive la discriminación y al ser una mujer de alcances fuera de la moral en turno la hacen también que lleve un estigma que no le permite en modo alguno la inserción plena a la vida social.

El Teatro Jiménez Rueda, sede para una de las manifestaciones artísticas que tendrá lugar en el marco de los festejos del Bicentenario Ciudad De México 2008- 2010: el teatro.

Del 24 al 30 de noviembre del presente año, este escenario se vestirá de gala y dará comienzo con DramaFest Bicentenario a este importante aniversario con tres puestas en escena de Argentina, Chile y España y una de México.

DramaFest Bicentenario es un festival internacional de teatro contemporáneo centrado en el desarrollo de la nueva dramaturgia que se está generando tanto en México como en otros países del mundo. En sus primeras tres ediciones el festival estuvo dedicado al intercambio artístico con el Reino Unido-Estado de México (2004), con Alemania–Puebla (2006) y con Estados Unidos y Jalisco (2008).

Un evento del teatro contemporáneo, organizado junto con la Comisión Bicentenaria del Gobiernos del DF, entre el 2008 y el 2010 llevará a cabo una edición especial que girará en torno a la dramaturgia iberoamericana contemporánea a manera de celebración de la creatividad teatral en lengua hispana.

En el marco de este festejo, el DramaFest Bicentenario estará dedicado al intercambio entre México, Chile, Argentina y España teniendo como ciudad anfitriona a la Ciudad de México.

El primer montaje de DramaFest Bicentenario que se presentará en esta antesala del Bicentenario, se titula Buenos Aires (24 y 25 de noviembre), se trata de la tercera parte de la trilogía Three Cities: Affection, de Melbourne (de Raimondo Cortese); y Jet Lag de Cardiff (de Des Barry, independientes entre sí, pero estrenadas conjuntamente en Gales en febrero de 2007.

Fresas en invierno es el primer montaje que propone Raúl Quintanilla, actual director del Centro de Formación Actoral de TV Azteca para “inaugurar” formalmente Azteca Teatro.

Un proyecto que surge con la premisa de realizar puestas en escena de alta calidad haciendo mancuerna con el elenco artístico de la televisora, con los cuales, el público se encuentra familiarizado a través de la pantalla; pero será el teatro quien los acerque para apreciar de manera frontal y en instante mismo que suceden los hechos. El elenco está integrado en dos repartos de cuatro actores que alternarán funciones con la intención de otorgar más trabajo a los intérpretes de la televisora.

El estreno de Fresas en invierno se llevó a cabo el 13 de noviembre en el Telón de Asfalto y participarán los actores Ana Seradilla, en el papel de Sofía; Karina Gidi como Léa; Víctor Hugo Martin interpreta a Bernardo y Luis Miguel Lombana como Roberto; el 27 de noviembre actuarán Adriana Louvier (Sofía), Angela Fuste (Léa), Luis Ernesto Franco (Bernardo) y Marco Treviño (Roberto).

Hécuba es un personaje legendaria, guerrera troyana, reina vencida y madre despojada que al ver perdidas las esperanzas del futuro de Troya, tras la derrota frente a Grecia, decide acabar con la vida de toda su descendencia. Al enterarse los dioses, la convierten en una perra de ojos de fuego, expresando su dolor en aullidos. Llorando por los caídos, recordando a los inocentes desaparecidos.

Con la idea de rendir homenaje a la dramaturga mexicana Luisa Josefina Hernández, la actriz y directora Emma Dib presenta en el Centro Cultural Helénico, uno de sus principales textos escritos en 1970, Hécuba, una adaptación del texto de Eurípides en el cual se representan algunos conflictos humanos como son: traición, manejo del poder, vinculaciones políticas, encuentros generacionales, entre otros temas.

“Todo sucede un instante antes de morir y el espacio escénico se convierte en lo que pasa por la mente de Ofelia en esa fracción de tiempo. El mundo tangible e intangible se desenvuelven dentro de la obra Ofelia o la madre muerta, de Marco Antonio de la Parra dirigida por María Morett… la propuesta sugerente texto e imagen se complementan enriquecedoramente en esta puesta en escena. María Morett logra crear un mundo onírico que al mismo tiempo se arraiga en un ambiente opresivo impregnado de violencia y locura como puede ser una clínica siquiátrica.“ Estela Leñero Franco.

Las funciones sociales del teatro son muchas, pero en una donde su participación ha sido fundamental es en lo referente a la psicología y psiquiatría, ha estado al servicio tanto de artistas, dramaturgos, actores como del público en general.

En la historia del teatro podemos ver decenas de obras cuyas características nos permiten reflexionar a cerca de diferentes ordenes y desórdenes mentales cuyo sustrato son la sociedad, la familia o los individuos mismos; así, los dramaturgos sin importar género, escuela teatral o tiempo han sido atraídos por la psique humana y con base en ello hemos podido ver cosas muy importantes sobre el tema.

En la escena teatral los personajes se interpretan desde la perspectiva de un texto a través de la mirada del director (a); el escenario atrapa a los actores para explicar una historia. En Roberto Zucco los personajes desbordan el escenario, no se dejan amurallar, para contar un relato de muerte, el anverso de la vida que es la razón y la forma de existir de Roberto Zucco.

De Bernard-Marie Koltés, Roberto Zucco sube al escenario del Teatro Sergio Magaña, con las actuaciones de: Víctor Eugenio León, Sonia Franco, Tamara Mazarrasa, Sara Sámano Pinet, Nayelly Acevedo, Natalia Velazco, Atanasio Cadena, Medín Villatoro, José Catrip, Pilar Couto, Karen Daneida y Luis Ernesto Verdín (egresados de la generación 2005-2008 del Centro Universitario de Teatro), bajo la dirección de Lorena Maza.

La obra es un grito de rebeldía hacia una sociedad enajenada que solo guarda las apariencias, el protagonista central mata para vivir, para ser alguien en un núcleo social hipócrita en donde los valores dependen de lo superfluo; lo esencial es sólo lo aparente a partir de formas y reglas ya establecidas. Roberto Zucco, mata, viola, agrede y es agredido; perseguido y acorralado al no encontrar un sitio dentro del entorno social.

Sin escenografía, este texto de Koltés llena el espacio teatral para desbordar a los personajes fuera del escenario, a partir de la dirección de Lorena Maza, es así que la obra se interpreta con la participación del espectador desde su butaca. Los actores se integran al público para despertar emociones; los asistentes no se quedarán sólo viendo el desarrollo de la pieza.

Lo más representativo de lo que pasó este año en la escena nacional del teatro, la danza, la música y como invitado el País Vasco es la perspectiva artística que ofrece la III Muestra de Artes Escénicas de la Ciudad de México.

Una fiesta de las artes que este año se contemplan invitados de Argentina, Brasil, Canadá, Colombia, Costa Rica, Ecuador, El Salvador, Estados Unidos, Francia, Guatemala, Honduras, Nicaragua, República Dominicana y Uruguay. Así como los estados de Chihuahua, Jalisco, Morelos, Puebla, Sinaloa y Tamaulipas.

Organizado por la Secretaría de Cultura del Gobierno del Distrito Federal, a través del Sistema de Teatros de la Ciudad de México, este festín cultural presentará más de 100 funciones a lo largo de un mes, esperando atender a una población aproximada de 45 mil personas.

Así mismo, se llevará a cabo la Plataforma Escénica Vasca, encuentro de productores y programadores internacionales de artes escénicas y musicales interesados en programar espectáculos artísticos y culturales vascos y mexicanos en sus respectivos espacios.

En esta edición 2008, la III Muestra de Artes Escénicas de la Ciudad de México refuerza su identidad a través del diálogo y la reflexión en torno al quehacer escénico y su proyección en todos los ámbitos, primordialmente el social, cultural/artístico y creativo.

III Muestra de Artes Escénicas de la Ciudad de México
Teatro-Danza-Música
Del 1 al 30 de noviembre 2008

PROGRAMACIÓN

Los recuerdos son la puerta al pasado, a una existencia que ha sido y no es posible modificarla ya; a esos pasos que han dejado huella y que son, al fin y al cabo, parte esencial de una existencia, que puede o no tener sentido, pero que sin duda ha conformado la historia individual de cada individuo.

Por supuesto los recuerdos son fragmentarios y en ocasiones pueden jugar una mala pasada: se olvida aquellos que se supone no tiene importancia, pero también eso que ha de recordarse inevitablemente por haber sido parte fundamental del proceso de identidad.

De naturaleza frágil, la memoria es caprichosa y selectiva, pero también traicionera al momento de poner en duda los límites entre la realidad y la ficción. ¿Qué hacer entonces cuando es, precisamente, esta última frontera la que rige el destino? ¿Cómo diferenciar claramente una de otra sin caer en el desvarío?

Hay ciertas circunstancias que le dan magia a la literatura y al teatro, una de ellas radica en que las obras y los personajes no tienen tiempo ni espacio definidos, esto se aplica para el texto del famoso escritor polaco Slawomir Mrozek, cuyas obras han sido traducidas a más de veinte idiomas.

En esta ocasión, su texto sobre la permanente movilidad que tiene el ser humano en busca de mejores o diferentes oportunidades fue retomado por David Psalmon ya que bajo su dirección se presenta Emigrados, obra que después de una exitosa temporada en el Centro Cultural del Bosque llega ahora al Foro La Guta del Centro Cultural Helénico.

En momentos parece que el texto y la escena tienen un toque de Beckett por las dudas y por los dos personajes que preguntan, pero los personajes que salieron de su país en busca de otros espacios tienen respuestas y creen tener razones, diferentes para cada uno de ellos, ya que por ser distintos en su clase social, en su posición intelectual, en sus expectativas ven el obligado exilio de diferente forma, el desarrollo de la obra puede ser en Europa con inmigrantes africanos, en China con inmigrantes del Oriente Medio, en México con inmigrantes centroamericanos o nuestro lugar común, mexicanos en Estados Unidos, después de la Primera Guerra Mundial, después de la Gran depresión en 1929 o bien puede ser hoy.

Como un mundo muerto, inamovible, fugaz, sin variaciones de ningún tipo, El despoblador (Le Depeupleur) de Samuel Becket muestra la exploración estética y evolución literaria a la que se entregó este ufano irlandés que nació en las cercanías de Dublin, el 13 de abril de 1906, bajo el signo de Aries.

En el marco del Encuentro de Artes Escénicas México, Teatro UNAM presenta la puesta en escena El Despoblador, bajo la dirección de Alain Françon, un enigmático monólogo sobre las condiciones de vida, códigos, leyes, reglas y clasificaciones de un poblado de humanos o de hormigas que se ocupan de subir las complicadas escalas en busca de un desenlace que parece bello, casi salido de un caos.

El despoblador, caracterizada por Michel Didym, representa un trabajo donde el actor no busca reinterpretar un texto que él ofrece con toda su pureza y se interna en la profundidad de un cilindro cerrado donde los habitantes de una extraña ciudad, reducida a una confusa masa de cuerpos que persigue frenéticamente la más vana y antigua de las creencias: una salida, la salvación.

Didym, actor y director de escena, egresado de la Escuela Nacional Superior de Arte Dramático de Estrasburgo, Francia y reconocido por su éxito en la dirección de sus últimas obras: “Face de cuillère” de Lee Hall y “Oreilles tombantes, groin presque cylindrique” de Marcelo Bertuccio, caracteriza esta inversa utopía en la cual destaca la calma y la inmovilidad aprisionada en un espacio sometido a las estrictas reglas: “me encuentro al interior de un cilindro rebajado que ostenta cincuenta metros de perímetro y dieciséis de altura, un espacio de palabras negras, pero no desprovistas de humor rabioso y bromista, tampoco de alegría….”