InterEscena El escenario en el ciberespacio

En una puesta en escena, el hilo conductor puede ser un elemento escénico o un hecho dentro del desarrollo de la historia, en esta obra ganadora del Tony 2010, que retrata la convivencia entre el pintor expresionista Mark Rothko y su joven discípulo, Ken, el pretexto es un color: el rojo. El rojo –como el color de la pasión– frente al negro –como el color de la muerte–, sirven como metáfora en la que se explora la relación entre maestro y alumno, padre e hijo, amo y esclavo.

El encuentro generacional es el marco que confronta dos puntos de vista, personalidades totalmente disímbolas que se ven a través de un ángulo que tiene que ver con esta tonalidad. Dos personajes ocupan el espacio (excelente creación escenográfica de Jorge Ballina) para hablar de arte, expresar sus opiniones, sus discrepancias y puntos de vista que tienen que ver con el rojo. El estudio del pintor, es el lugar donde converge el intelecto y las frustración.

Rojo, obra escrita por John Logan inicia cuando contratan – en 1958– al reconocido pintor expresionista Mark Rothko (Víctor Trujillo), para realizar una mural decorativo en el lujoso restaurante Four Seasons, situado en el Edificio Seagram en Nueva York, para esta labor contrata a Ken (Alfonso Dosal), como su asistente, un joven estudiante recién egresado de una escuela de pintura. El estudio se llena de bastidores, lienzos y pintura; de ideas y conceptos, de música que motiva y provoca la inspiración.

“Opté por buscar una obra de la época en la que trabajaba con el maestro Mendoza, que tiene ciertas características específicas como son la ligereza en el tratamiento del tema, su ánimo festivo, su audacia en el montaje y que fuera una obra musical sin llegar a la comedia musical”, José Caballero.

Como parte del homenaje al maestro Héctor Mendoza, su alumno, José Caballero dirige la puesta en escena de Noches Islámicas, una producción de la Compañía Nacional de Teatro (CNT), con música de Rodrigo Mendoza, escenografía de Alejandro Luna y vestuario a cargo de María y Tolita Figueroa; la versión original fue estrenada en los años 80 y en esta nueva etapa se estrenó en la pasada edición del Festival Internacional Cervantino, donde se le entregó de manera póstuma al maestro Mendoza la Medalla Cervantina. Ahora, la CNT la lleva hasta el 29 de enero, a la escena del Teatro Juan Ruiz de Alarcón del Centro Cultural Universitario.

“Así como el tren tuvo un peso importante en el periodo revolucionario, en este caso se convierte en una metáfora de lo que sucede en el contexto actual”, Ignacio Escárcega.

¿Ante la frustración y el enojo cuántas veces te has dicho me lleva el tren…? Pues bien, eso es precisamente la puesta en escena de Nos lleva el tren, un ejercicio dramático que responde al caos y a la violencia que impera en el país y que como contraparte de toda historia muestra también la búsqueda de la esperanza a través de un humor ácido que se genera del descontento social que estamos viviendo, pero sobre todo, motiva la reflexión y la necesidad de reformar la situación y darle un cambio de rumbo a este tramo que cada vez se hace más cuesta arriba.

Wadji Mouawad es uno de los más destacados dramaturgos del mundo gracias a su trabajo en el cual toca de manera certera el corazón de la desdicha de la humanidad contemporánea mediante la indagación constante en el pasado y la búsqueda de la memoria.

Es precisamente esta búsqueda del ser que te hace volcar en un mar de angustia y recuerdos lo que llevó al reconocido director Hugo Arrevillaga autor de la tetralogía La sangre de las promesas, junto a su compañía Tapioca Inn, a montar Cuchillo y Un Obús en el corazón, dos textos cortos, poco conocidos de este autor quebequense, que para Arrevillaga significaron una oportunidad no sólo de subsanar viejas heridas sino también de confesar parte de su intimidad.

En estos tiempos de violencia y amores exprés, las historias románticas parecieran ser poco atractivas y haber sido superadas, empero para el joven director Artús Chávez Novelo (creador de Norvak, Poderoso DeMente, Lo que el virus se llevó y Cabaret mortal, entre otras exitosas puestas escénicas) se trata de verdaderos clásicos “que todos conocemos pero pocos hemos leído alguna vez” por lo que vale la pena rescatarlas y verlas en el escenario.

Con esta premisa es que la nueva producción de La dama de las camelias –que se presenta a partir del 12 de enero, de jueves a viernes, en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque–, reunió a un elenco variopinto que conjunta artistas de diversos géneros.

Por un lado tiene en Alejandra Marín (con una larga trayectoria en teatro independiente) a una apasionada, atormentada y manipuladora Marguerite Gautier, célebre cortesana que sostiene un tórrido romance con el joven Armand Duval, interpretado por Mauricio Ochmann, quien más allá de su participación en algunos culebrones hoy se encuentra trabajando arduamente bajo la dirección de Chávez Novelo para demostrar que el que es actor donde sea arranca el aplauso.

A esta pareja protagónica, le siguen una adorable y experimentada Pilar Ixquic Mata, como la amiga alcahueta y presunta Madame que además de ser cómplice de la protagonista es como una especie de narradora que le añade picardía a los momentos que se ven en escena,

De pie, Wilfrid le explica al juez la forma en que recibió la noticia: cogía con una hermosa mujer que no sabía ni como se llamaba, cuando el teléfono sonó, eyaculaba con cada timbrazo; la voz por el auricular le dio la noticia, su padre fue encontrado sin vida en la banca de un parque. Tenía que ir a la morgue para la identificación del cuerpo. Los sueños y las fantasías han acompañado a Wilfrid desde su infancia, ahora ante la noticia, las imaginaciones lo siguen acompañando…

Después narra su experiencia en la morgue, habla del dolor al reconocer el cuerpo, llevárselo y buscar un sitio donde sepultarlo. A partir de este momento inicia una travesía que tiene que ver con el retorno al país de origen de sus progenitores, un viaje a tierras lejanas, a la nación que separó a sus padres, su origen, la muerte de su madre cuando él nació.

El final del periplo es un territorio cegado por la guerra, la devastación que alcanzó a sus habitantes. El mar pone fin a su andar y un Litoral aparece en el horizonte para ofrecerle un lugar donde enterrar a su padre.

Litoral es una obra poética, con sueños y fantasías, que al igual nos habla de una realidad tangible, dolorosa y cruda. Una puesta en escena que nos abre los sentidos y la imaginación. Nos lleva por el desierto, por ciudades devastadas y finalmente al mar, con personajes ficticios y reales. Una obra maestra que converge la realidad con la fantasía, que nos pone “bombas en la cabeza” y sobre el escenario los personajes encarnan la violencia, el dolor y el sufrimiento; cada personaje habla del padecimiento ante la muerte de su padre.

“Si pudiera ser alguien completamente distinto de quien soy. Si pudiera ser alguien completamente distinto de quien tengo que ser. Otra persona”

En la cocina de un restaurante de comida oriental se desenvuelven cinco de los quince personajes que representan un juego de espejos en que la interminable sucesión de imágenes difumina los planos de realidad.

Arturo Ríos, José Sefami y Ana Graham –quienes alternan funciones con Joaquín Cossío y Concepción Márquez respectivamente–, Antonio Vega y Patricia Ortiz conforman el elenco de El dragón dorado, una obra de personajes y hechos aparentemente inconexos que confluyen en un restaurante de comida rápida.

Una metáfora contemporánea de la sociedad en un texto de Roland Schimmelpfennig donde Daniel Giménez Cacho logra su cometido, a partir de un elenco bien integrado que realiza un buen trabajo actoral y, todo el círculo se cierra con la escenografía de Auda Caraza y Atenea Chávez y el diseño de iluminación de Víctor Zapatero.

“Una propuesta que aborda un tema cabalmente enigmático, de conectar y abrirse a aquello que no se puede explicar; es no saber aquello que es tan profundo, que necesita de ser visto, pero que no puede ser explicado”, Mauricio García Lozano.

Gracia está de pie frente a la escalera, al final está la habitación, en silencio se aproxima hacia la entrada, se detiene, mira la puerta cerrada; no sabe que hay dentro, no sabe lo que va a encontrar. Gracia lo tiene todo: joven, bella y el amor de un esposo millonario, una casa enorme con 28 habitaciones -10 para las visitas-, alberca, jardines, salones, joyas, todo aquello que una mujer puede desear.

Es sólo una gran mansión donde ella puede disponer de todo, sin embargo existe una habitación donde se le tiene prohibido entrar, es La pequeña habitación al final de la escalera.

Pero ¿qué es aquello que le atrae a está habitación? ¿Por qué su marido le tiene impedido entrar? ¿Qué le oculta? Su mano desliza la cerradura, la puerta se abre, la impenetrable oscuridad no le permite ver, se queda parada en medio de la penumbra… escucha de pronto una respiración, leve, viene del fondo de la habitación, del piso; la voz de Enrique, su cónyuge, irrumpe el silencio, la llama desde el otro salón, Gracia cierra la puerta y apresurada va a su encuentro.

Gracia tiene en su madre Jocelyne, a su mejor consejera y en su hermana Ana, a su peor aliada. Jenny es la fiel sirvienta, descubre las visitas que Gracia hace a la habitación, pero su silencio es comprado con las joyas que ella le obsequia.

No se como ocurra en otras partes del mundo, pero al menos aquí en México, sabemos que el hombre siempre va al baño acompañado. En el caso de las mujeres parece ser que es igual. Al menos eso he observado en los últimos días después de ver la puesta en escena de Mujeres en el baño… Pero, si algo me ha intrigado es por qué se tardan tanto y qué tanto hacen en el baño.

En Mujeres en el baño, la escena se vuelve, a decir de su autora y directora, la argentina Mariela Asensio, un refugio, un confesionario donde se construyen relatos apasionados y en algunas ocasiones, antro o hasta vídeo clip con canciones inesperadas y coreografías furtivas, pero sobre todo, en el baño se viven historias humanas contadas por mujeres.

“El lugar común para todo ser humano es el dolor, el dolor que nos explica nuestras acciones. Kant viaja a América para curarse un glaucoma, porque tiene miedo de perder la vista, y con ello la luz de su mirada”. Un filósofo que pierde la vista, “ahí comienza la poesía”, David Hevia.

Kant en alta mar, tragicomedia escrita y dirigida por David Hevia, concluyó temporada el pasado 30 de octubre en el Teatro Casa de la Paz de la Universidad Autónoma Metropolitana con una develación de placa a cargo del maestro Mauricio Pimentel y del maestro Mario Espinosa.

Un Kant expuesto a la mirada del espectador a través del anacronismo como elemento magistral para abolir un realismo infructuoso, nos habla detrás la carcajada del estremecimiento fatídico de un hombre consciente del más risible de los intentos: encomiar el mundo de las ideas ante una humanidad que navega a toda máquina, exactamente, en dirección opuesta.

¿Qué hacía Immanuel Kant fuera de Königsberg, su ciudad natal, cuando en vida no viajó más de un centenar de kilómetros y eso para mantenerse a la muerte de su padre? ¿Por qué va en barco, acompañado de su esposa, un criado y un papagayo, cuándo de todos es sabido que nunca se casó, de seguro tuvo servidumbre, pero quien sabe si tuvo una mascota?

¿Por qué aparece un Immanuel Kant en escena obsesivo, difícil y maniaco cuando llevó una vida que se caracterizó por su sencillez, regularidad, y ausencia de perturbaciones? y finalmente ¿Cuál fue el motivo de que perdiera la cordura cuando Kant es conocido como el hombre de la razón pública?