El encuentro generacional es el marco que confronta dos puntos de vista, personalidades totalmente disímbolas que se ven a través de un ángulo que tiene que ver con esta tonalidad. Dos personajes ocupan el espacio (excelente creación escenográfica de Jorge Ballina) para hablar de arte, expresar sus opiniones, sus discrepancias y puntos de vista que tienen que ver con el rojo. El estudio del pintor, es el lugar donde converge el intelecto y las frustración.

Rojo, obra escrita por John Logan inicia cuando contratan – en 1958– al reconocido pintor expresionista Mark Rothko (Víctor Trujillo), para realizar una mural decorativo en el lujoso restaurante Four Seasons, situado en el Edificio Seagram en Nueva York, para esta labor contrata a Ken (Alfonso Dosal), como su asistente, un joven estudiante recién egresado de una escuela de pintura. El estudio se llena de bastidores, lienzos y pintura; de ideas y conceptos, de música que motiva y provoca la inspiración.

La historia es anecdótica y parte de la biografía de Rothko, según la crítica se había prostituido en su arte, le había ganado la ambición. Estos son los elementos que fundamentan el choque, la colisión de dos generaciones; el maestro en el cenit de su carrera artística y el joven que reclama un sitio en el universo pictórico. La confrontación termina por vencer al soberbio pintor. Al terminar su obra, la depresión lo hace tomar una decisión radical…

El año pasado, Rojo realizó una muy exitosa temporada en el Centro Cultural Helénico, ahora llega a una segunda temporada en el Teatro Rafael Solana, donde se presenta de viernes a domingo, con la dirección de Lorena Maza. Un gran trabajo escénico donde Victor Trujillo se siente como pez en el agua, además de lograr una mancuerna perfecta con Dosal, joven actor egresado de Casa Azul, sin mucha referencia en la escena teatral, se puede mencionar su participación en El Knack, una comedia donde fue dirigido por Odiseo Bichir.

Sobre la trayectoria de Trujillo, además de su fama en la televisión con personajes de gran éxito como Brozo y la Beba Galván, se le puede recordar en las Veladas Literario Político Musicales del “Bar Guau”, en musicales como Oliver Twist y La Novicia Rebelde; su última intervención en teatro que fue en Los Lobos, crítica política dirigida por Héctor Bonilla.

En la leyenda del programa de mano, uno se entera que Red (título original) se estrenó en Londres en 2009 con las actuaciones de Alfred Molina y Eddie Redmayne, con críticas muy favorables. Con el mismo éxito se presentó en Broadway, en 2010; en ese año obtuvo seis premios Tony, incluyendo el de Mejor Obra para John Logan, quien es autor de cintas como El aviador y Gladiadior. En México – en su temporada en el Helánico–, Rojo fue la primera vez que se presentaba en una versión diferente al proyecto original.

También se lee que: el 25 de febrero de 1970, Dan Rice, quien fuera el asistente de Mark Rothko, le encuentra muerto en su estudio de Nueva York. Rothko se suicidó de manera premeditada quedando rodeado por un enorme charco rojo. Ese día llegó por barco parte de su obra que permanece a la fecha en la Tate Gallery de Londres. Falleció a los 66 años. El artista, nació en 1903 en Daugavpils, Letonia, en el seno de una familia judía, su nombre real era Marcus Rothkowitz. Vivió la mayor parte de su vida en los Estados Unidos, donde era conocido simplemente como Mark Rothko.

“Me identifico con el personaje en el sentido del compromiso, en la necesidad de sostener tus ideales a costa de todo y con la idea de que el arte es una expresión que proviene del alma, porque sólo así puede ser autentico. Es una puesta en escena demandante, que requiere mucha energía porque lo que ocurre con los personajes es un enfrentamiento muy profundo, que cuestiona los papeles que tiene cada uno, como maestro y como alumno”, Víctor Trujillo.

Como parte del homenaje al maestro Héctor Mendoza, su alumno, José Caballero dirige la puesta en escena de Noches Islámicas, una producción de la Compañía Nacional de Teatro (CNT), con música de Rodrigo Mendoza, escenografía de Alejandro Luna y vestuario a cargo de María y Tolita Figueroa; la versión original fue estrenada en los años 80 y en esta nueva etapa se estrenó en la pasada edición del Festival Internacional Cervantino, donde se le entregó de manera póstuma al maestro Mendoza la Medalla Cervantina. Ahora, la CNT la lleva hasta el 29 de enero, a la escena del Teatro Juan Ruiz de Alarcón del Centro Cultural Universitario.

Noches islámicas es la síntesis de la labor teatral del maestro Mendoza, porque resume su sabiduría adquirida como director en la escenificación de las comedias del Siglo de Oro español; como dramaturgo es, al mismo tiempo, un maestro de actuación y el instaurador del concepto de puesta en escena, por lo tanto escribe desde el actor y, en este caso, desde el alumno de actuación.

Un texto fino que contiene algunas de las máximas preocupaciones de Mendoza, como son la amistad y la relatividad moral, en una adaptación sobre un pasaje de Las mil y una noches, una maravillosa serie de historias persas del siglo IX que desde tiempos lejanos causó gran expectación en Occidente y del que se han realizado diversas ediciones e interpretaciones, especialmente la parte de aventuras y fantasías que se han difundido principalmente entre niños y jóvenes.

A partir del cuento Durmiente Despierto, Mendoza construyó un divertido laberinto dramático que sucede en Bagdad en el año 787 de la Era Cristiana, de tal manera que ante el espectador se presenta la visión de una privilegiada simultaneidad que sólo es posible en el teatro, como puede ser la alusión al sueño de un hombre que quiere ser el Califa, un hombre de una generosidad extrema pero que no cree en la amistad y por lo tanto no propicia ningún tipo de relación con quienes lo rodean.

Al igual que en la obra, el cuento original revela las virtudes de los personajes, como la de Malik as Suujrauardi quien dice que uno de sus deseos es ser el Califa Harún al-Rashid, lo cual logra sólo por un día, situación que genera un enredo porque él nuevo Califa clama venganza contra quien fuera su mejor amigo.

Así es que tanto el nuevo señor, como su amigo el perseguido conocen el amor, uno con la hermosa mujer llamada Grano de Almizcle y el segundo con el personaje de Caña de Azúcar, ambas pertenecen al Harem principal del Palacio, a pesar de esto, gracias a la magnificencia del verdadero Califa y a ciertas promesas hechas a su esposa, pueden casarse con los gentiles que solicitan su mano.

En paralelo, en la historia aparecen dos enviados de Carlomagno, quienes, perdidos por las calles de Bagdad, intentan cumplir una misión importante, pero a partir de los incidentes que hay en la ciudad, en palacio, en la casa del nuevo califa, además de las órdenes de decapitación dictadas, se ven impedidos de cumplir cabalmente con la misión para la que han sido enviados.

Así, a partir del texto de Mendoza y la dirección de Caballero podemos apreciar el trabajo de más de 10 personajes representados por los actores Mariana Gajá como Grano de Almizcle; Óscar Narváez como Yafar; Roberto Soto como Harún al-Rashid; Héctor Holten como Massur; Rodrigo Vázquez como Abul Hassán; Arturo Reyes como Malik as Sujraguardi; y, Everardo Arzate y Américo del Río como los enviados de Carlomagno.

La mirada del Occidente hacia el mundo árabe es en muchas ocaciones difusa, en ésta se ve con recelo a las mujeres veladas, al harem, a las funciones del Califa, y a ciertas costumbres, y es con estas reservas que se representan las obras clásicas del mundo árabe, en Noches Islámicas se guardaron ciertas formas pero con una visión un tanto lúdica, como explicó José Caballero, con elementos exóticos puesto que aborda una cultura un tanto distinta a la nuestra, es decir, el Islam, pero con personajes un tanto a la mexicana, porque hablan de una manera muy cercana a nosotros. Fotos: Sergio Carreón Ireta.

¿Ante la frustración y el enojo cuántas veces te has dicho me lleva el tren…? Pues bien, eso es precisamente la puesta en escena de Nos lleva el tren, un ejercicio dramático que responde al caos y a la violencia que impera en el país y que como contraparte de toda historia muestra también la búsqueda de la esperanza a través de un humor ácido que se genera del descontento social que estamos viviendo, pero sobre todo, motiva la reflexión y la necesidad de reformar la situación y darle un cambio de rumbo a este tramo que cada vez se hace más cuesta arriba.

Tomando como punto de partida la historia de Guarupa, una mujer chamana a la que le han matado siete hijos y que decide trasladarse en tren desde la Sierra Tarahumara hasta la Ciudad de México con la firme intención de hablar con el mero preciso, es decir el mismísimo Presidente de la República, para contarle sus visiones sobre el país que podría ser, esta es una narración que oscila entre el horror y la esperanza, un recuento de daños empero también un llamado a la acción. En suma, Guarupa es el símbolo y la suma de muchas mujeres que hoy luchan y exigen justicia ante la muerte inocente de sus familiares.

Durante este recorrido, llegar a la capital del país es difícil, tanto como encontrar respuesta ante tanta barbarie. En cada pueblo y en cada retén se huele la desolación y el terror, un desfile de esos personajes de noticiario que a su paso infunden miedo y rabia: maras, soldados, sicarios, empero también la gente común, la que trabaja y se esfuerza todos los días por salir avante, por ello no es casualidad que a este viaje –que si bien es crudo por momentos no está excento de una dosis de humor–, se sumen dos jóvenes, Juan y Adela, que huyen de un ambiente de violencia y crimen para recobrar la esperanza.

En escena están Teresa Valenzuela, quien interpreta a Guarupa y Luis Eduardo Yee, Ireli Vázquez, Salvador Álvarez y Fernando Sánchez, que dirigidos por Ignacio Escárcega, hacen una puesta en escena donde la farsa es la parte medular y que es reforzado por un vestuario y utilería en tonos negros y grises como si se tratara de una bien lograda viñeta política.

El montaje de Nos lleva el tren es el resultado del ciclo de lecturas dramatizadas “De la Independencia a la Revolución” organizado en 2010 por el Centro Cultural Helénico y la Sociedad General de Escritores de México (SOGEM) en el marco de las conmemoraciones del Bicentenario de la Independencia y el Centenario de la Revolución; y a decir de su autora, la dramaturga Camila Villegas, la obra tiene como punto de partida la reflexión, por ello incluyó en el texto fragmentos de la poesía de Jaime Sabines y Javier Sicilia, el primero porque le gusta y el segundo porque forma parte de la esperanza de miles de mexicanos.

Nos lleva el tren es una lección de esperanza para los que día a día vemos transcurrir el tiempo y nos negamos a permanecer pasivos ante tanta injusticia, todos los que de alguna manera estamos “hasta la madre” y que buscamos vivir en paz y en tranquilidad. Una obra que después del éxito logrado en 2011, regresa a partir de este 14 de enero, todos los sábados –hasta el 25 de febrero– al Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico.

Y como bien dice Teresa Valenzuela, la Guarupa de esta historia, “A diferencia de los otros personajes, el mío es el más serio, pero lo hago desde el fondo de mi corazón como ciudadana, pues tenía ganas de exigir, de hacer algo respecto a la violencia, no me podía quedar callada“. No callemos. ¡Qué No nos lleve el tren!

Es precisamente esta búsqueda del ser que te hace volcar en un mar de angustia y recuerdos lo que llevó al reconocido director Hugo Arrevillaga autor de la tetralogía La sangre de las promesas, junto a su compañía Tapioca Inn, a montar Cuchillo y Un Obús en el corazón, dos textos cortos, poco conocidos de este autor quebequense, que para Arrevillaga significaron una oportunidad no sólo de subsanar viejas heridas sino también de confesar parte de su intimidad.

Ambas historias, que el público capitalino puede apreciar desde el 19 de enero en el Foro A poco no, tienen como común denominador la búsqueda del ser perdido u olvidado y por tanto añorado. Cuchillo es un texto escrito en 1997, que se consideraba inédito, en él, el autor mediante un lenguaje desafiante y violento pero a la vez cargado de humor, poco frecuente en las obras de Wadji, aborda la historia de un joven dedicado a la prostitución, que lleva siempre consigo un cuchillo en el fondo de su bolsillo, por si fuera necesario, vaga por las calles solitarias en busca de clientes.

En una de esas frías noches de invierno, justo en la noche de navidad, parece encontrar por fin algo que le da paz, belleza y tranquilidad a su alma: una Iglesia llena de calidez, sonrisas, música y un hombre vestido de Santa Claus quien despierta en él varios recuerdos y a la vez la posibilidad de poder llevar a cabo su oculto deseo: cortarle el miembro a un hombre mientras le realiza una felación.

Por su parte, Un obús en el corazón, obra de 2007, relata la historia de Wahab, un joven pintor de 19 años de origen libanés que vive en Quebec, quien una noche de enero recibe una llamada anónima que le dice que su madre está por morir de cáncer en un hospital.

La noticia se vuelve un obús (una especia de mortero que se usó sobre todo en la Primera y Segunda guerras mundiales) que se anida en sul corazón y que se hará presente en la travesía que Wahab realiza desde su casa –y desde su infancia– hasta el hospital, para despedirse de su madre y con esto confrontar todos los miedos de su niñez.

.“Cuando uno teme a la pérdida y a la soledad, trata de defenderse de todas las maneras posibles y eso es lo que pasa en Un obús en el corazón y estas heridas muchas veces son las que nos mueven y llevan a volcar todo ese dolor y rabia a una obra, como es este caso”, Hugo Arrevillaga.

Una obra con la fuerza de estas historias cortas que hablan acerca de la pérdida y a la soledad, requieren para su realización de actores capaces de llevar su interpretación al máximo, al grado de hacerle sentir al espectador todo lo que la melancolia y el miedo pueden provocar (tal como le sucedió a la persona sentada a mi lado que en algún momento durante la obra tuvo la necesidad de llorar) y en este sentido, la participación de los actores Javier Oliván y Adrián Vázquez no pudo ser más acertada pues con su trabajo hicieron sentir al público el dolor de sus personajes, sobretodo Vázquez quien logró clavarse profundamente en el espectador con su actuación.

“Hugo Arrevillaga hace un teatro reflexivo, humano y comprometido con los problemas sociales. El abordaje de temas como la violencia, la vida, la muerte, soledad o el silencio, entre otros temas, nos permiten re-significar valores de nuestras sociedades modernas”, Lourdes Lecona, responsable de la Gestión y Enlace del Sistema de Teatros de la Ciudad de México. Fotos Alma Curiel.

Con esta premisa es que la nueva producción de La dama de las camelias –que se presenta a partir del 12 de enero, de jueves a viernes, en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque–, reunió a un elenco variopinto que conjunta artistas de diversos géneros.

Por un lado tiene en Alejandra Marín (con una larga trayectoria en teatro independiente) a una apasionada, atormentada y manipuladora Marguerite Gautier, célebre cortesana que sostiene un tórrido romance con el joven Armand Duval, interpretado por Mauricio Ochmann, quien más allá de su participación en algunos culebrones hoy se encuentra trabajando arduamente bajo la dirección de Chávez Novelo para demostrar que el que es actor donde sea arranca el aplauso.

A esta pareja protagónica, le siguen una adorable y experimentada Pilar Ixquic Mata, como la amiga alcahueta y presunta Madame que además de ser cómplice de la protagonista es como una especie de narradora que le añade picardía a los momentos que se ven en escena,

Además de Fernanda Castillo, muy conocida por su trabajo en el musical Hoy no me puedo levantar, y una que otra telenovela; Luis Maggi como el cínico Gastón Rieux, amigo de Armand y otros experimentados histriones como Irineo Álvarez, Javier Villegas, Manuel Balbi, Marcos García y Madeleine Sierra, quienes en conjunto han creado un trabajo digno, ligero pero no por eso carente de calidad.

“La dama de las camelias es una obra para toda la familia, que es difícil encontrar en estos tiempos, estamos manteniéndo todo en el mejor gusto posible y de una forma muy sencilla alejada de tabicones que alejan al público. El elenco es una mezcla muy atractiva para los públicos actuales que no están tan acostumbrados a ir al teatro si no reconocen una cara o un nombre”, Artús Chávez Novelo.

Otro de los aspectos que cabe resaltar en esta producción es el trabajo de la pianista Deborah Silberer, quien de hecho marca el inicio de la obra en un tono fúnebre con música de Rachmaninov, así los cuadros que se suceden uno a uno están hilvanados con la música de autores como Debusy, Chopin y Liszt, entre otros, a partir de una reinterpretación de la misma intérprete.

Es así que la música se vuelve otra protagonista más de la puesta y le añade un plus nostálgico y melancólico que se enriquece con el vestuario de Emilio Rebollar, quien permitiéndose ciertas licencias poéticas hace lucir a todos en tonos grisáceos, mientras a la protagonista la resalta con colores vivos, creando así un ambiente como de sueño lejano que nos sitúa en un pasado remoto donde la heroína romántica deja ver su lado descarado y atormentado marcado por los caprichos y la imposición, que bien puede resumirse en la siguiente frase: “Estás enamorado de una mujer que está histéricamente infeliz la mayor parte del tiempo lo que es de por sí muy triste, así que ó me amas menos o me entiendes más…”

Por su parte, Mauricio Ochmann logra sacar avante al apasionado Armand, demostrando que aun para los tonos liberales de nuestros días “es más fácil enamorar a una mujer buena que a una prostituta”, él es parte fundamental para lograr ese sentimiento de redención a través del amor que se logra percibir a lo largo de la puesta escénica.

“La dama de las camelias es un clásico que me encanta porque es de esos romances que perduran en la memoria. Hay que verla para darnos esa oportunidad de desconectarnos, llegar al teatro y regresar a finales de mil 800 y sumergirnos en esa época”, Mauricio Ochman.

Considerada un clásico del Romanticismo, La dama de las camelias, en una versión del dramaturgo inglés Neil Bartlett, es un ejemplo de buen teatro, una historia universal contada con sencillez y sin pretensiones, que a diferencia de la novela original, se trata de una versión más fresca y personal que se apoya de un lenguaje concreto, sencillo y menos melodramático que invita al público a conocer las pasiones descarnadas y en ocasiones crueles que mueven a los personajes de esta historia. Un texto para disfrutar y dejarse atrapar por la magia del escenario. Un cuento de amor… que en estos tiempos de violencia y caos se agradece. Feliz 2012 para el teatro!

Después narra su experiencia en la morgue, habla del dolor al reconocer el cuerpo, llevárselo y buscar un sitio donde sepultarlo. A partir de este momento inicia una travesía que tiene que ver con el retorno al país de origen de sus progenitores, un viaje a tierras lejanas, a la nación que separó a sus padres, su origen, la muerte de su madre cuando él nació.

El final del periplo es un territorio cegado por la guerra, la devastación que alcanzó a sus habitantes. El mar pone fin a su andar y un Litoral aparece en el horizonte para ofrecerle un lugar donde enterrar a su padre.

Litoral es una obra poética, con sueños y fantasías, que al igual nos habla de una realidad tangible, dolorosa y cruda. Una puesta en escena que nos abre los sentidos y la imaginación. Nos lleva por el desierto, por ciudades devastadas y finalmente al mar, con personajes ficticios y reales. Una obra maestra que converge la realidad con la fantasía, que nos pone “bombas en la cabeza” y sobre el escenario los personajes encarnan la violencia, el dolor y el sufrimiento; cada personaje habla del padecimiento ante la muerte de su padre.

Escrita por Wajdi Mouawad, Litoral es la primera parte de la tetralogía La sangre de las promesas; estas dos son Incendios y Bosques –dirigidas por Hugo Arrevillaga-, las ya cuales ya se estrenaron en el DF con gran aceptación por parte del público y de la crítica. Falta una cuarta, Cielos, que se estrenará en 2012.

Las tres obras ya estrenadas, se presentaron en el marco de la 6 Muestra de Artes Escénicas, Litoral que estuvó en el Teatro de las Vizcaínas, hara una breve temporada del 10 al 13 de diembre en el Teatro Benito Juárez. Para el 2012, el proyecto será presentar las cuatro piezas de ésta monumental obra dramática.

Los actores que intervienen en Litoral son: Guillermo Villegas, Pedro Mira, Rebeca Trejo, Alejandra Chacón, Adrián Vázquez, Miguel Romero, Sonia Franco y Tomás Rojas.

¿Cuál es el la razón del éxito de Litoral, Incendios y Bosques? ¿Por qué tanta gente es convocada al teatro cuando se presentaron las obras? Quizá habrá que empezar por la lectura que Hugo Arrevillaga hace de las obras, la afinidad que hay entre éste director mexicano y este dramaturgo de origen libanés; la sensibilidad y capacidad de Hugo para trasladar al escenario, toda la fuerza dramática del los textos.

Y sin duda, el compromiso de Tapioca Inn, ese ensamble de actores que maneja Arrevillaga, con esa forma que tienen de conmover al público en cada interpretación, el cual quedó totalmente patente en cada función que presentaron en la Muestra, sobre todo en Incendios.

Litoral es un trabajo que conforma el pensamiento, que abre las posibilidades al imaginario colectivo y transforma la manera de percibir el arte teatral. Es un ejercicio que atrapa al espectador desde una óptica muy peculiar, desde la sensibilidad que proyecta cada personaje, hasta la forma en que cada actor narra su historia; es una catarsis total por la manera en que nos sacude el alma, las emociones y los recuerdos que cada quien guarda en su interior.

Y todo esto con pocos elementos escénicos, sólo simples plataformas de madera en forma de cuadros que se enciman, se alinean, se apilan y dan forma a la entelequia en la que Litoral nos trasporta, nos hace viajar para recordarnos que el teatro se dimensiona, porque la vida también es un escenario.

En la cocina de un restaurante de comida oriental se desenvuelven cinco de los quince personajes que representan un juego de espejos en que la interminable sucesión de imágenes difumina los planos de realidad.

Arturo Ríos, José Sefami y Ana Graham –quienes alternan funciones con Joaquín Cossío y Concepción Márquez respectivamente–, Antonio Vega y Patricia Ortiz conforman el elenco de El dragón dorado, una obra de personajes y hechos aparentemente inconexos que confluyen en un restaurante de comida rápida.

Una metáfora contemporánea de la sociedad en un texto de Roland Schimmelpfennig donde Daniel Giménez Cacho logra su cometido, a partir de un elenco bien integrado que realiza un buen trabajo actoral y, todo el círculo se cierra con la escenografía de Auda Caraza y Atenea Chávez y el diseño de iluminación de Víctor Zapatero.

Una dramaturgia narrativa, casi cinematográfica, marca registrada del autor, donde se intercalan acontecimientos que llevan al público a presenciar momentos disímbolos. Situaciones farsicas donde un pequeño restaurante en la planta baja de un edificio es el móvil para dar inicio a un turbulento lote de escenas donde los cocineros, entre empujones, gritos y preparaciones de sopa wonton, gallina laqueada y arroz chow fan, hechos camote –término usado por estos personajes cuando están fuera de tiempo para servir a los comensales y con decenas de comandas que atender– buscan un remedio casero para aliviar un dolor de muelas…

Entre este y otros males, ocurre un desafío entre los limites de la forma y el espacio para dar lugar a un contexto situacional donde a partir de la imaginación y la creatividad, surgen anécdotas cotidianas que se entretejen entre las personalidades, las voces y las ideas de cada personaje.

Actores van y vienen, suben y bajan, se desplazan, cambian de sexo, de plática, de historias, pero sobre todo de situaciones y problemas. En un primer momento es el cocinero, de pronto con una pañoleta al cuello es una azafata, que cansada de un largo viaje decide cenar en este restaurante de comida oriental.

Circunstancias que pueden ser paralelas a las vidas, tomando el restaurante como una estructura donde deambulan azafatas con todo y novios, un anciano pervertido que tiene secuestrada una niña o una pareja a punto del divorcio y un tendero borracho.

Si, un restaurante donde en una barra se cruzan mas de una decena de personajes que viven, trabajan, y mueren en un mismo edificio. Donde la problemática de los empleados, clientes y vecinos se dimensiona; sus pequeños dramas y desencuentros adquieren una dimensión alegórica, de fábula arriesgada que a pesar de su tono surrealista es un reflejo innegable de la realidad del mundo actual.

Un texto de Roland Schimmelpfennig (traducido por Ana Graham, Stefanie Weiss y Antonio Vega) donde la visión escénica de Giménez Cacho enfoca la atención en el contexto situacional e invita a los actores a explorar, a partir de resoluciones artísticas, la fragmentación de la condición humana, la perdida de la identidad y las consecuencias de la priorización del bienestar individual por encima del bienestar social.

El dramaturgo, –nacido en Gotinga en 1967– pertenece a un grupo de jóvenes autores que están revolucionando el panorama de la escena teatral y es uno de los escritores alemanes más destacados de su generación. Con El dragón dorado ha dado la vuelta al mundo y ha sido bien acogido en varios teatros de Europa, una dura prueba que le valió en 2010, el Münheim Drama Prize, importante galardón que reconoce a lo mejor del teatro en idioma alemán.

En su razonamiento sociológico, Schimmelpfennig trabaja con temas vigentes, pero los aborda desde una perspectiva particular, la temática central es la vida cotidiana de los inmigrantes, de los desposeídos que llegan a paises ajenos, donde si se quedan, es probable que terminen siendo cocineros, como los personajes de su obra.

Seres humanos de la nacionalidad que sea, que sin importar donde vayan carecen de los derechos elementales de un ser humano, pequeñeces como ir al dentista se les convierte en una verdadera encrucijada; o como aquellas búsquedas interminables que muchas veces tienen que hacer para encontrar a una familiar o amigo siempre están presentes.

El dragón dorado, una producción de Piedad Teatro Producciones que desde su estreno en el Teatro Santa Catarina ha desafiado los gustos, porque son varios aquellos que no aprobaron esta propuesta de Daniel Giménez Cacho, pero también los hay que salieron con un buen sabor de boca y una total satisfacción por encontrarse con personajes e historias que habitan entre sí, tal vez sin identificarse los unos con los otros, sin reconocer quiénes están junto a cada uno, personajes que se buscan a sí mismos y a sus pares, algunas veces de forma casi inconsciente.

Porque El dragón dorado son pequeñas anécdotas que dan tema a un texto diferente donde el desplazamiento de géneros e individualidades se desvanecen y reaparecen entre la narrativa y los diálogos.

Gracia está de pie frente a la escalera, al final está la habitación, en silencio se aproxima hacia la entrada, se detiene, mira la puerta cerrada; no sabe que hay dentro, no sabe lo que va a encontrar. Gracia lo tiene todo: joven, bella y el amor de un esposo millonario, una casa enorme con 28 habitaciones -10 para las visitas-, alberca, jardines, salones, joyas, todo aquello que una mujer puede desear.

Es sólo una gran mansión donde ella puede disponer de todo, sin embargo existe una habitación donde se le tiene prohibido entrar, es La pequeña habitación al final de la escalera.

Pero ¿qué es aquello que le atrae a está habitación? ¿Por qué su marido le tiene impedido entrar? ¿Qué le oculta? Su mano desliza la cerradura, la puerta se abre, la impenetrable oscuridad no le permite ver, se queda parada en medio de la penumbra… escucha de pronto una respiración, leve, viene del fondo de la habitación, del piso; la voz de Enrique, su cónyuge, irrumpe el silencio, la llama desde el otro salón, Gracia cierra la puerta y apresurada va a su encuentro.

Gracia tiene en su madre Jocelyne, a su mejor consejera y en su hermana Ana, a su peor aliada. Jenny es la fiel sirvienta, descubre las visitas que Gracia hace a la habitación, pero su silencio es comprado con las joyas que ella le obsequia.

¿Es real lo que descubre dentro de ese cuarto abandonado? ¿Es producto de su imaginación? Desde su temprana infancia, Gracia lloraba todas las noches en silencio, Ana nunca supo el motivo, ¿ahí encontró la respuesta?

La pequeña habitación al final de la escalera, a partir del cuento Barba Azul de Charles Perrault, en una creación de Teatro del Farfullero, se presenta en el teatro El Granero, Xavier Rojas con la dirección de Mauricio García Lozano, quien la trasforma al lenguaje teatral y lleva a la protagonista a narrar su propia historia, en la cual ella no es ella sino lo que los demás quieren que sea.

El elenco lo conforma: Karina Gidi, Verónica Langer, Aileen Hurtado, Carlos Corona y Gabriela Pérez Negrete. El escenario es el teatro El Granero, Xavier Rojas, con funciones de jueves a domingo, hasta el 11 de diciembre y una nueva temporada en el 2012.

La pequeña habitación al final de la escalera trata de la imposibilidad de explicarse; de la inconformidad, la obsesión y la alucinación. Una enorme mansión con una pequeña habitación al final de la escalera, un sitio paradójico, un espacio que guarda las emociones, los resentimientos y la necesidad de encontrar, de tener, de poseer.

A pesar de los lujos, Gracia se atreve a desafiar la voluntad de Enrique, las ostentaciones que la rodean no la satisfacen, la terquedad la domina. La habitación es como un imán que la atrae irremediablemente.

De frente al escenario la pieza se desarrolla como si tuviéramos en nuestras manos este texto escrito por Carole Fréchette, donde de pronto los personajes se salen del libro para contar el relato, en un escenario vacío, sin más elementos que la voz de cada intérprete.

La escena le devuelve al público, lo que su imaginación le dicta. Una obra con un texto sólido, con personajes bien plantados en el escenario. La escenografía de Jorge Ballina no reproduce la lujosa residencia, muestra una plataforma negra, un rectángulo donde la iluminación desde el piso traslúcido delimita los espacios, las habitaciones y los salones.

Los personajes se manifiestan sobre el escenario a través de los intérpretes: Gracia transforma a Karina en una mujer obsesiva, débil y emocionalmente afectada; Verónica se sujeta a Jocelyne, un personaje sin sentimientos, preocupada más por las apariencias, que pretende vivir su existencia vacía a través de Gracia; Ana se mete en Aileen, para volcar su frustración en la aparente felicidad de su hermana; a Carlos lo toma Enrique para hacer de éste un Barba Azul contemporáneo, más humano; Jenny mueve la avaricia en Gabriela, capaz de hacer lo que sea por alcanzar su propósito.

“Sinceramente no recuerdo un reto igual, no sólo por lo que implica el texto y el personaje, y al mundo que quiere traspasar y la línea que quiere transgredir, sino por el montaje mismo”, Karina Gidi.

En Mujeres en el baño, la escena se vuelve, a decir de su autora y directora, la argentina Mariela Asensio, un refugio, un confesionario donde se construyen relatos apasionados y en algunas ocasiones, antro o hasta vídeo clip con canciones inesperadas y coreografías furtivas, pero sobre todo, en el baño se viven historias humanas contadas por mujeres.

Porque en esta producción, ese espacio donde lo privado se vuelve público ahora es una oportunidad para que quienes somos hombres, podamos comprender el universo femenino y las mujeres se identifiquen; porque en éste se ríe y se llora, hay sorpresas y diversión pero, sobre todo, gracias al trabajo de Laura de Ita, Laila Tornero, Paula Watson, Guadalupe Damián, Gabriela Steck y Gabriela Zárate, se ofrecen diferentes visiones de las feminas. Seis jóvenes actrices, que cada una en su personaje, nos muestran diversas “facetas” de la mujer, que puede ser obsesiva, enfermiza, obsesionada, feliz o infeliz. Una historia de seis mujeres que forma parte de la trilogía Mujeres en 3d que incluye las obras Mujeres en el Baño, Mujeres en el aire y Mujeres en Ningún lugar, una visión de género sobre temas universales y humanos.

Es así que en el escenario de este baño, perdón quise decir en el Teatro Gilberto Cantón, todos los miércoles, estas damas hablan de sus fantasías, cambian de sexo, se transforman en estrellas de rock, cantan, reggaetonean, se tocan, tiran las siliconas por los aires, se divierten y bailan, pero sobre todo sacan sus sufrimientos al aire.

Mujeres en en el baño son seis manifiestos desbocados acerca de la belleza, el amor, la alimentación, la pérdida, la obsesión, el deseo y el sexo. Son mujeres desesperadas, poéticas, irónicas, enojadas y perdidamente enamoradas que fusionan el sueño y la realidad en un espacio que cambia constantemente su forma. Es un mundo que sólo ellas conocen y eligen hasta donde mostrar.

Porque aquí, en este baño, como bien dice la también productora Gabriela Steck: “Buscamos evadir estereotipos mostrando a mujeres reales, tal cual somos, como te comportarías en un baño, con ropa interior, sin la típica pose sexy, depilándote, platicando, llorando, riendo y bailando en el baño, por lo que la mayoría de las mujeres se sienten identificadas con los personajes”.

No dejes de ver Mujeres en el baño, obra escrita, actuada y producida por mujeres, un buen momento para conocerlas o conocernos un poquito más, porque no siempre podemos saber qué tanto hacen las mujeres en el baño.

Un universo femenino donde todas esas interrogantes que lo conforman acerca del sexo, el amor y la belleza son abordadas en una especie de show drama-comedia de la argentina Mariela Asencio, donde las protagonistas se lanzan a la pista de la supervivencia lo mismo para bailar que para lanzar los implantes al aire…

Kant en alta mar, tragicomedia escrita y dirigida por David Hevia, concluyó temporada el pasado 30 de octubre en el Teatro Casa de la Paz de la Universidad Autónoma Metropolitana con una develación de placa a cargo del maestro Mauricio Pimentel y del maestro Mario Espinosa.

Un Kant expuesto a la mirada del espectador a través del anacronismo como elemento magistral para abolir un realismo infructuoso, nos habla detrás la carcajada del estremecimiento fatídico de un hombre consciente del más risible de los intentos: encomiar el mundo de las ideas ante una humanidad que navega a toda máquina, exactamente, en dirección opuesta.

¿Qué hacía Immanuel Kant fuera de Königsberg, su ciudad natal, cuando en vida no viajó más de un centenar de kilómetros y eso para mantenerse a la muerte de su padre? ¿Por qué va en barco, acompañado de su esposa, un criado y un papagayo, cuándo de todos es sabido que nunca se casó, de seguro tuvo servidumbre, pero quien sabe si tuvo una mascota?

¿Por qué aparece un Immanuel Kant en escena obsesivo, difícil y maniaco cuando llevó una vida que se caracterizó por su sencillez, regularidad, y ausencia de perturbaciones? y finalmente ¿Cuál fue el motivo de que perdiera la cordura cuando Kant es conocido como el hombre de la razón pública?

Estos cuestionamientos de la sin razón se observan en la puesta en escena Kant en Alta Mar basada en un texto del escritor y dramaturgo austríaco Thomas Bernhard: El Papagayo en Alta Mar. Una obra catalogada como una “comedia” por su autor, llena de simbolismos y metáforas que muy pocas veces funcionan ante el planteamiento siguiente: El viaje de Kant en trasatlántico —acompañado de su mujer, su criado y un papagayo— hacia los Estados Unidos en busca de una cura para sus ojos.

Un viaje que significa, sin más ni menos, el fin de la civilización de las ideas ante una civilización que navega a toda máquina en sentido contrario rumbo al pragmatismo, la frivolidad, lo despiadado y grotesco representado por el mismísimo país del norte.

Esta propuesta es, tal vez, como lo señala su director David Hevia, la metáfora del ocaso de la razón, de los doscientos años de pensamiento ilustrado, de la creencia en el progreso de la humanidad, de la utopía racionalista ante el triunfo definitivo del pragmatismo de Estados Unidos, de la reaparición de la iglesia en sustitución de ideologías en retirada.

En este punto, el personaje de Kant está atrapado en la tragicomedia de sus manías, de discursos inacabados, inconexos, solemnes y ridículos en los que nada explica. Este contraste entre la grandeza que se admira de él y el absurdo imaginario en el que se ve inmerso culmina con la figura del papagayo, alter ego del filósofo y repetidor mecánico de su pensamiento.

En Kant en alta mar, estamos obligados a preguntarnos si todo está en nuestra cabeza, o si todo pensamiento busca una representación, pero también hay que pensar qué puede pasarnos si nos hundimos o tocamos fondo. Este no es un pensamiento agradable. Y como dice Hevia: “Yo también tengo miedo del fin como tantos otros seres humanos, en este lugar común que me inspira llevar a escena esta comedia; cuando ésta queda desgarrada, aparece la comedia”.

Construir esta farsa no fue nada fácil, por eso es de destacar el trabajo teatral de Miguel Cooper (Kant), Ana Cervantes (Frau Kant), Joaquín Rodríguez (Ernst Ludwig), Emmanuel Varela (Señor Sonnenschela), Miguel Angel López (Cardenal), y Elia Domenzain (Millonaria) cuyo personaje estrafalario rompe con la comedia tal y como la conocemos adentrándose en otros recursos convirtiéndose en uno de los pilares centrales de la obra.

“El aspecto que más le agrada del trabajo de David Hevia es su audacia para emprender travesías a las que no todo mundo se atreve a imaginar. Por ello, quiero reconocer el espíritu de aventura que tiene David sobre el escenario con esta propuesta que escapa al realismo y establece comunicaciones frescas que a veces rozan lo grotesco y lo travieso”, Mario Espinosa.