InterEscena El escenario en el ciberespacio

El Continente negro, África, ha sido visto por muchos como un lugar inhóspito, desconocido y a la vez salvaje, misterioso e interesante… tal como una mujer.

Esta metáfora –cuya autoría para reclamos corresponde a Freud- define bien la obra El Continente negro, escrita por el chileno Marco Antonio de la Parra y dirigida por Zaide Silvia Gutiérrez.

Digo que la define bien porque más allá de la trama, (tres historias que nos muestran las desventuras del desamor) tenemos frente a nosotros una historia harto compleja e interesante que exige toda la atención del público.

Incluso contando con el interés, se volverá difícil entender elementos como las constantes llamadas de teléfono cuyo origen nunca es descubierto, o el comportamiento de ciertos personajes, como la mujer que rechaza a su pareja, sin embargo, ama y por eso lo rechaza. Son estos elementos lo que da fuerza a la idea de un espacio recóndito que clama por ser descubierto.

Con uno de los principales protagonistas de la escena europea contemporánea y cuatro proyectos nacionales, el Festival de México 2010 lleva el teatro a su máxima expresión.

Símbolos femeninos, relaciones o conflictos existenciales y reflexiones históricas protagonizadas por personajes impenetrables son la temática presente en esta XXVI edición, que este año además de tener como invitado el trabajo de uno de los grandes directores italianos, apuesta por la dramaturgía nacional.

Hay que ver qué es lo que el FMX nos depara en su CARTELERA para experimentar la sensación que el teatro nos puede ofrecer como espejo de vida.

“Teatro poderoso e incendiario, que deja a los espectadores desnudos y completamente vulnerables, con la alta probabilidad de ser atacados por su propia memoria y destrozados entre los dientes de sus dudas y miedos…”

¿Qué puede conmover al espectador hasta las lágrimas?, ¿Qué texto es capaz de incendiar las emociones y mover los sentimientos del público? La escena teatral se llena con las interpretaciones, un diálogo que surge desde el interior tanto del autor, como de los actores que intervienen en la puesta en escena, para así llegar al espectador y tocar sus fibras más sensibles.

El teatro toma otra dimensión cuando no se necesita de una gran escenografía, ni de un enorme aforo; los asistentes suben al escenario, y se colocan alrededor de éste; los actores se confunden con el público y salen de entre ellos para intervenir en la historia. Esta forma de apreciación provoca además del acercamiento con los intérpretes, logra una comunión intima actor-público, que es fundamental en Incendios, un texto del autor franco-canadiense-libanés Wajdi Mouawad (1968).

Ganador del Premio del Gobernador de Canadá (máxima distinción literaria de ese país) y Caballero de las Artes en Francia, Mouawad es muy requerido en la escena nacional por su calidad drámatica que logra plasmar en cada uno de sus trabajos: un ambiente de desesperación y vulnerabilidad, que se resuelve en el interior de los espectadores, quienes finalmente alcanzan la tranquilidad de su corazón, con un sueño de esperanza entre sus manos.

“El poeta tiene la imagen literaria, concibe su percepción y la pasa al papel, pero son los grandes actores quienes realmente la conservan, y vive porque muere en el instante. Para mí el actor es el poeta primario; porque, al mismo tiempo que describe en su mente o evoca una imagen, la vive en la mentira, la trasciende; se vuelve espectador-creador de sí mismo es y en el teatro en el único lugar donde se puede realizar esa poesía superior. Por todo aquello, el actor vive más allá de todo el espectáculo, el actor es un dios representantes porque otra realidad que no tiene nada que ver con este mundo; Se convierte en un mito de sí mismo”, Juan José Gurrola (1935-2007).

La gente de teatro mientras trabaja finge y sin esto, ¿cómo serían capaces de interpretar y caracterizar a todos los personajes que han desfilan durante toda su vida artística?

Así es Simplemente Complicado, una puesta en escena escrita por la genial pluma del dramaturgo austriaco Thomas Bernard y las actuaciones de Mauricio Davison —interpretando magistralmente a un viejo artista— y Eréndira Reyes, ahora bajo la dirección de Nora Manneck, ya que este proyecto fue el último adiós de Juan José Gurrola en la dirección de la escena mexicana.

Esta pieza que se presenta todos los jueves y viernes hasta el 30 de abril en el Teatro Casa de la Paz, nos plantea, entre otras cosas, la contradicción entre lo simple y lo complicado a través de una historia sencilla que tiene muchos niveles de interpretación aplicables a la forma de ser de casi cualquier individuo, es decir, cualquiera se puede reflejar en este montaje.

Fedra de Jean Racine y en versión de Ted Hughes, fue la primera experiencia de trasmisión en vivo desde el National Theater de Londres que pudimos ver el año pasado en el Lunario y fue tal su éxito que se precisó de una segunda exhibición. Ahora se reanuda la programación con Nation, una puesta basada en la novela homónima de Terry Pritchett, best-seller que entre adolescentes británicos que ha alcanzado un nivel de ventas que aprovecha la impronta de Harry Potter.

La adaptación para la escena es de Mark Ravenhill, conocido por sus críticas entre los lectores de The Guardian en México. La dirección y escenografía corresponden a Melly Still.

Nation promete ser, por la sinopsis leída y los fragmentos disponibles en internet, una especie de metáfora eco-ambiental de las realidades del mundo actual con tintes apocalípticos y esperanzador futuro cercano a los universos paralelos que la ciencia-ficción ha explotado hasta la saciedad en las últimas décadas.

Por lo visto, en Nation convergen el idílico romance de The Blue Lagoon con fantasías visuales creadas por computadora y la música electrónica con acentos new age y coros ad nauseam.

Descomposición… ética, social, económica, moral, eso y más en la obra homónima de Alfonso Cárcamo. En un intenso diálogo dramático –no carente de uno que otro toque de sarcasmo–, dos jóvenes enfrentan realidades distintas de nuestra sociedad.

En una historia que transcurre en diferentes tiempos, Antonio Rojas y Mario Eduardo D’ León muestran las trabas y prejuicios que pesan y determinan el futuro en las nuevas generaciones que hoy se enfrentan a un mundo corrupto y donde sólo cabe la ambición desmedida.

En el pequeño escenario del Foro A poco No –atrás del Teatro de la Ciudad–, nuevo espacio que busca mostrar propuestas alternativas de alta calidad dramática, la dupla de actores muestra exitosamente esta confrontación cultural que presenta a dos jóvenes –de distinta condición social– y sus ambiciones ante la vida, un ejercicio que denuncia la intolerancia –sexual, política, económica– que priva en nuestra sociedad a través de la visión y aspiraciones de Francisco, un joven de clase alta, hijo de un empresario, y de Carlos, un muchacho de clase baja que aspira a integrarse a las fuerzas básicas de la política mexicana (cualquier parecido con la realidad es pura coincidencia).

Te suena conocida la frase: “Con esos amigos… para que quiero enemigos”. Pues bien, este dicho popular sintetiza la genialidad de Resonancias, una divertida puesta en escena escrita y dirigida por Héctor Mendoza, que plantea las mentiras y las verdades de la amistad.

Resonancias, escrita en el 2009, es el resultado de un año de proceso creativo que se estrenó el pasado 4 de febrero y se presenta de jueves a domingo –hasta el al 28 de marzo– en el Teatro Santa Catarina (Jardín Santa Catarina 10, Coyoacán).

Con un historia planteada en dos tiempos —mentiras y verdades—, esta propuesta es llevada a escena por un grupo de actores de la Facultad de Filosofía y Letras, alumnos de la cátedra de actuación del maestro Mendoza y para quienes escribió esta obra.

Héctor Mendoza se ha destacado en el quehacer teatral como dramaturgo, director y profesor, se le ha considerado uno de los precursores del teatro de vanguardia en México. A lo largo de su docencia ha preparado a varias generaciones de estudiantes de teatro, entre los que han destacado algunos como actores, otros como directores.

Con las actuaciones de Francisco Buenrrostro, Pablo Castel, Paulina Figueroa, Antonio Guadalupe, Michelle Rogel y Vicente Segura, Resonancias establece que toda relación de amistad es abierta y generosa, sin embargo, al final de cualquier historia, esto no es verdad; porque, en la mayoría de los casos, siempre habrá algún tipo de interés en cualquier relación. ¿O alguno de ustedes ha hecho amistades sin interés alguno?

Un arenero representa un desierto, el espacio para la interpretación; tres mujeres representan una vida, la existencia de Rosario Castellanos. Rosario niña, estudiante y embajadora; tres personajes para representar de manera aleatoria momentos trascendentales en la vida de la poetisa mexicana, un diálogo intrincado en la escena teatral. Blanca Guerra, María Inés Pintado y Haydeé Boetto, no solo interpretan a la intelectual en diferentes etapas de su vida, también representan los personajes más cercanos a la protagonista.

Con la dirección de Alberto Lomnitz, Prendida de las lámparas, regresa al escenario de la Sala Xavier Villaurrutia, del Centro Cultural del Bosque; una versión de Elena Guiochins, inspirada en la vida y obra de Rosario Castellanos (1925-1974).

“El tema de la sexualidad y las relaciones de pareja es interminable, de aquí que una gran cantidad de creaciones artísticas lo aborden; La pura idea excita busca hacer un planteamiento que resulte pertinente, sobre todo, a las nuevas generaciones”.

La presentación de una obra de teatro es o debería ser un reto, en varios sentidos, en primer lugar para todos los que hacen posible que se lleve a cabo y finalmente para el espectador. Esa parece ser la premisa de la obra de David Gaitán, La pura idea excita, la cual muestra que si alguien se presenta desnudo ya nada de lo que dice importa; porque simplemente no será tomado en cuenta.

La afirmación la hacen los actores Ana Beatriz Martínez y el propio David Gaitán –quien también se desempeña como director– de una manera directa sobre el público y es así, desnudos que se presentan en las primeras escenas retando al espectador a no verles más que los ojos e incitan a los asistentes a denunciar a quien esté haciendo lo contrario.

“Esta vez, sólo quisimos divertirnos, reír de nuestras locuras, burlarnos de los celos y seguir soñando con la fama. Esta vez, sólo deseamos que usted también se divierta, y recuerde las travesuras de su madurez… Esta vez, sólo por ésta, el lenguaje será muy florido, muy ligero, muy mexicano pues (¿o castellano?). Así que, esta vez, riamos juntos, como cuando éramos niños ¿vale? Ah, y perdón por todos los improperios…”

De acuerdo al diccionario la palabra “ardida” en una de sus acepciones se refiere a experimentar una pasión o sentimiento intenso que -sin ponernos psicoanalistas- al no ser satisfecho bien puede llevar a un estado de ansiedad y desesperación que paulatinamente nos conduce a la locura.

A veces cuando mencionamos esta palabra lo hacemos, la mayor de las veces, llenos de una seriedad tal (o unas ganas enormes de ofender por el significado que a ella damos) que pareciera que en ella no cabe para nada la diversión o ¿no?

Este es el reto que se plantean en la puesta en escena Ardidas, de Alejandro Licona, las actrices Mariana Brito y Maricela Medina quienes, en un delirante y divertido espectáculo cómico-musical, muestran las reacciones que despierta el ser engañado por tu pareja de una manera que va de lo gracioso a lo dramático y aberrante.