InterEscena El escenario en el ciberespacio

En el Pabellón de Observación. Conocí a La Castañeda a en la década de los noventas. Lo primero que me sorprendió fue su lirica –el contenido de sus letras dirían sus integrantes en alguna ocasión– y, por ende, su propuesta musical.

Su concepto era más bien sencillo. Nada complicado pero si interesante: buscar en lo más profundo del hombre, sus procesos mentales, lo que lleva a la locura y la misma búsqueda de la identidad. Toda esta parafernalia la han conjugado con otras disciplinas como el performance, el teatro y la danza, para crear una propuesta diferente a todas las demás bandas.

Una de las características de esta agrupación rockera, originaria de la ciudad de México que se conformó en 1989, es que no se han repetido –cosa que le agradecemos–, musicalmente hablando, de un disco a otro, La Casta, siempre anda en busca de cosas diferentes y de nuevas propuestas.

En estos veinte años de trayectoria y con siete álbumes en su haber, en donde a pesar de que el concepto es el mismo, han jugado con nuevas variantes: Servicios Generales (1989); Servicios Generales II (1992); Globo Negro (1994); Hilo de Plata (1996); Trance (1999); Galería Acústica (2004); y Llama Doble (2006).

Como cada año, desde hace una década, el Centro Nacional de las Artes como escenario abierto a todas las expresiones, inicia un nuevo encuentro con lo más representativo de la vanguardia del jazz europeo. Diez años trazando una coalición con el jazz y sus diversas fusiones –bossa nova, rock y rhythm & blues, entre otros–, para llevar a los amantes del género un paraje idílico entre el artista y su música.

Nuevos conceptos que han probado su capacidad artística estaran presentes en la escena jazzística de la ciudad de México, así terminales musicales de España, Polonia, Suecia, República Checa, Francia, Italia y Bélgica, serán parte de un viaje por el jazz europeo que se llevará a cabo todos los fines de semana del mes de marzo en los espacios abiertos del CENART.

Un perfecto vínculo de las vanguardias musicales del viejo continente con el público mexicano, definido por un evento musical plural, integral e incluyente que desde su primera edición en 1998 y hasta el día de hoy, ha contado con la participación de más de 350 artistas provenientes de 22 países.

Cómo cada año la programación del festival se encuentra dispuesta de tal manera que el público pueda disfrutar todos y cada uno de los conciertos, que estarán seccionados en cuatro fines de semana.

El arranque del Festival se llevará a cabo el sábado 6 con la presentación de Kaulakau, grupo catalán de raíces multidisciplinarias, el ocaso del Eurojazz estará a cargo del cantautor irlandés Cormac Kenevey, que se presentará en concierto el viernes 26. Además el sábado 27, el cierre con un divertido juego en un convite musical que ofrecerá el italiano Furio di Castri. El encargado del brindis musical para la clausura del Festival, el domingo 28, será el Pascal Schumacher Quartet con un jazz evocativo, acústico y moderno.

Con los árboles como testigos y los foros como marco escénico, el CENART fundó una tradición en la escena jazzística como la ruta más directa para disfrutar de los paisajes sonoros en el Festival de Jazz de la Unión Europea Eurojazz 2010.

Algunos dirán que REO Speedwagon y Stix son leyendas del rock. Sin embargo, hay de leyendas a leyendas, y estos grupos que tocan hoy en el Auditorio Nacional y mañana jueves en la Arena Monterrey, son de las mejores bandas de rock que hay en la actualidad.

Y es que, cuando nos referimos a REO Speedwagon —conformado en la actualidad por Kevin Cronin, voz líder y guitarra rítmica; Bruce Hall, bajo; Neal Doughty, teclados; y Brian Hitt, batería y percusiones— tenemos que remontarnos no sólo a sus grandes éxitos, como: Take it on the run (1980), Keep on loving you (1980), Can’t fight this feeling (1983), One lonely night (1985) e In my dreams (1987), sino también a una historia que viene desde 1968, y a producciones emblemáticas como Ridin’ the storm out, por la cual obtuvo un disco de oro; o la grabación en vivo del denominado You get what you play for, que llegó a ser disco de platino, o también a You can tune a piano, but you can’t tuna fish su disco siguiente que alcanzó el mismo éxito.

Sin embargo, uno de los discos que marcaría la carrera de esta banda fue Hi infidelity (1980), un álbum realizado a consciencia y que se colocó como número uno en la lista de éxitos y produjo varios sensillos como Keep on lovin’ you, número uno en los Estados Unidos y siete en Inglaterra. El otro sencillo Keep it on the run, se enroló en la quinta casilla de las listas norteamericanas.

Dos décadas y media han pasado de aquella presentación en la Facultad de Arquitectura de la UNAM, donde una joven cantante se presentó ataviada en un traje rojo. Dicen los que fueron que mucho impactó por su voz y su presencia en el escenario…

Al ritmo de un disco por cada dos años llegó la celebración de Cecilia Toussaint por un cuarto de siglo de haber llevado con gran esfuerzo una prolífera y exitosa carrera.

La noche del viernes 19 de febrero en el Teatro Metropolitan de la Ciudad de México, Jaime López, que tanto le ha cantado a esta ciudad y ha acompañado a la también actriz y bailarina a lo largo de los años, abrió con Cecilia el concierto cantando Sirena de trapo, En esta ciudad y Me siento bien, pero me siento mal.

El autor tamaulipeco también estuvó presente en los últimos momentos del espectáculo cantando a duo con la Toussaint, acompañados por el grupo con quien se inició en los 80 Arpía, las canciones Tres metros bajo tierra y Aquí me quedo.

“Al intentar hacer el concierto de manera cronológica pense en Jaime, quien ha estado presente siempre en mi carrera”, Cecilia Toussaint.

Así, fluyeron las canciones de los diferentes discos que ha grabado, empezando por Arpía, uno de los materiales que mejor recibió el público, aquel que grabó con López y a partir del cual siempre se le reconoce como rockera a pesar de lo versátil que es su producción discográfica.

¿Quién no ha admirado alguna vez la cultura japonesa? Y es que la armonía oriental entre el hombre y la naturaleza nos ha permitido conocer, entre otras cosas, la ceremonia del Té; los Kimonos (los vestidos tradicionales japoneses); el Código Bushido a través de los samuráis; la tranquilidad de los baños termales u Onsen; o el esoterismo del horóscopo japonés.

En este sentido, en el Teatro Metropólitan tenemos la posibilidad de conocer, el 26, 27 y 28 de febrero y el 6 y 7 de marzo, a Yamato The Drummer of Japan, un espectáculo de tambores, coreografía, juegos de luces y energía que nos transmiten un poco más de la cultura nipona al público de la Ciudad de México. Yamato también se presentará en el Teatro Esperanza Iris de Villahermosa, en el Auditorio Luis Elizondo de Monterrey, en el Teatro Metropolitano de Tampico y en el Teatro Reforma en Veracruz.

Algunos corren en los camerinos. Otros comen una fruta, toman agua o sólo están descansando. Nunca falta el que molesta a los demás. Otros más están alejados del resto, parece que están castigados, pero no, repasan la música del recital. Todos ellos, niños comunes y corrientes, pero prodigiosos, que pertenecen al coro de Los Niños Cantores de Saint Marc (Les Petits Chanteurs de Saint-Marc) que estarán en una breve temporada —del 18 de febrero al 4 de marzo— en el Centro Cultural Telmex II.

Con más de 24 años de deleitar al público y dirigidos por su actual director Nicolas Porte, Los Niños Cantores de Saint Marc se presentan por segunda ocasión en nuestro país —la primera fue en el Festival de Música de Morelia el año pasado— y en esta ocasión en la capital del país y en beneficio del Comedor Santa María que proporciona más de mil comidas diarias a niños de escasos recursos y en condiciones de pobreza extrema.

¡A bailar se ha dicho!

Dice la sabiduría popular que quien no conoce el Salón Los Ángeles (Lerdo 206) ubicado en pleno corazón de la famosa colonia Guerrero, no conoce México…

Y es que por este lugar han pasado miles que buscando distraerse de sus ocupaciones vienen aquí a tirar la polilla y sacarle punta a la pista o simplemente disfrutar de la música en vivo.

Por Los Ángeles (posiblemente el más antiguo de los salones del baile de la ciudad) han pasado las mejores bandas de música de todos los tiempos y géneros en nuestro país, lo cual lo ha vuelto un lugar emblemático para los verdaderos conocedores de la salsa, danzón, chachachá y otros tantos ritmos.

En esta ocasión, tocó el turno a la banda Paté de Fuá (para quien no conoce su propuesta musical puede visitar www.myspace.com/patedefua) quienes se presentaron el pasado viernes 29 de enero con un concierto titulado Fiesta de las boinas y de paso presentar su última producción El tren de la alegría.

Con ocho programas dobles, la Orquesta de Cámara de Bellas Artes (OCBA) presenta su Primera Temporada 2010.

En este primer ciclo de la OCBA, participarán destacados directores huéspedes como el dinámico Enrique Diemecke, director artistico de la Long Beach Symphony Orchestra, de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires y de la Flint Symphony Orchestra de Michigan, el maestro regresa a los escenarios del INBA en este segundo programa que se llevará a cabo este jueves 11 de febrero.

“Aprovecho estas ocasiones para no perder el contacto con el público que durante tantos años ha sido maravilloso conmigo; crecimos juntos en muchos aspectos, nos retroalimentamos mutuamente. Le debo mucho a México, donde tuve mis primeras experiencias musicales. La recompensa del éxito y retos nuevos y constantes, me mantienen cerca de México y de sus grandes orquestas, como es la Orquesta de Cámara de Bellas Artes”, Enrique Diemecke.

Jesús Medina, director artístico de la OCBA, también ha invitado para esta Temporada a Gabriela Díaz-Alatriste, directora de la Orquesta Sinfónica del Instituto Politécnico Nacional; y el español Sergio Alapont, ganador del II Concurso Nacional de Directores de Orquesta Orquesta Ciudad de Granada 2005; y el italiano Pasquale Veleno.

Asimismo, aportarán su talento Saúl Medina y su melodiosa marimba; el cornista Paul Miller; el flautista de origen búlgaro Kristian Koev, actual director artístico del Festival Internacional Music Meeting; el también búlgaro, el violinista Borislav Gotchev, integrante de la Sinfónica de Xalapa; la pianista rusa-mexicana Farizat Tchibirova y el tenor Octavio Palmieri.

Tata Vasco, de Miguel Bernal Jiménez (1910-1956), abre la temporada 2010 de Ópera de Bellas Artes, rindiendo un merecido homenaje al importante compositor michoacano en el Centenario de su natalicio.

La puesta que veremos este mes de febrero en el Teatro de la Ciudad corresponde en lo escénico y coreográfico a David Attié, la dirección musical es del maestro Fernando Lozano que estará al frente de la Orquesta y Coro de Bellas Artes, la escenografía y el vestuario son creación del escultor Sebastián y la iluminación es de Jesús Hernández.

En los papeles principales, se repiten varios nombres de la puesta del 2006: el barítono Jesús Suaste como Tata Vasco, la soprano Violeta Dávalos como princesa purépecha, José Luis Eleazar, Gerardo Castillo, Benito Navarro, Martín Luna y otros solistas. También participa la agrupación Schola Cantorum.

En ocasión de esta próxima presentación de Tata Vasco en el Teatro de la Ciudad, los días 11 y 14 de febrero próximo presentamos un artículo que anteriormente en 2006 escribió nuestro colaborador Enrique R. Mirabal, y que por su interés y vigencia, reproducimos a continuación.

La oferta musical de este mes tiene dos agasajos (claro, dependiendo de los estilos y la edad), dos propuestas de OCESA tan alejadas una de la otra pero que auguran para los asistentes la garantía de pasar un buen rato para cantar (gritar si algunos lo prefieren) y moverse al ritmo que mejor les lata.

Arranca, en estricto orden de aparición, el mismísimo Panteón Rococó (sábado 6 de febrero) quienes cual bella nena celebran sus XV Años con un gran reventón y como chambelanes de lujo, acompañados de Los Amigos Invisibles y Fidel Nadal (Todos tus muertos y Lumumba) en el Palacio de los Deportes.

Exponentes de lo mejor del ska de producción nacional, los panteones se encuentran de plácemes ante una cita que tenían reservada con una banda que los sigue y respeta por ver en ellos más que un grupo. Sus letras de una enorme carga de resistencia y su abierto apoyo al EZLN desde sus inicios los han colocado como un punto de referencia para quienes buscan en la música, algo más que sonidos rítmicos o desahogo, afortunadamente son una voz que no clama sola en el desierto.

Con verdaderos trancazos en su haber como Curame, La dosis perfecta, Globalizado y Cd. de la esperanza, los panteones se encuentran al inicio de una nueva era con la presentación de Ejército de paz, último disco que contiene Arreglame el alma, sencillo que ya encuentra entre los preferidos de los amantes del Panteón y que muestra la evolución musical que han tenido sin dejar de lado las letras combativas que caracterizan el punch del Panteón Rococó.