InterEscena El escenario en el ciberespacio

Inspiradas en la figura mítica del dragón, Dulce Chiang y Alicia Quiñones fundaron Grupo Dragoneros en 2003 como expresión de una “fuerza que nace de la voz y la palabra, fuego que sale por la boca” y, en este caso, se expresa de forma corporal en la propuesta escénica Cánticos profanos: Un Sade Imaginario, espectáculo poético que parte de dos de las obras más importantes del Marqués de Sade: Justine o los infortunios de la virtud y Juliette o El vicio ampliamente recompensado.

Concebido primero como un grupo de poesía, esta compañía artística explora el lenguaje corporal tomando como eje principal la esencia de las figuras femeninas de Justine y Juliette, la puesta artística nace de la palabra poética, de ahí se desprenden las imágenes musicales y dancísticas que posteriormente se conjugan en el escenario.

Es así que en escena se encuentran dos bailarinas, una aérea/contemporánea que representa a Justine, y una contemporánea/flamenco que personifica a Juliette, cuyas coreografías están basadas en la ideología que el Marqués impuso a cada una en el enfrentamiento entre el vicio y la virtud.

Alejado de esta Ciudad que todo lo concentra, Fóramen M. Ballet encontró un nuevo espacio para desarrollar su trabajo y su arte. A partir de una aguda mirada, el coreógrafo argentino Marcos Ariel Rossi, codirector con Beatriz Madrid de esta compañía, creó Velové (love), puesta escénica que observa la vida desde su reverso.

¿Cuál es el discurso que planteas con Velové?
El discurso como coreógrafo es “El velo vé”, te veo porque te siento. Sería dejar de lado egoísmos e individualismos y pensar un poquito en el otro. Ubicarnos desde el lugar del otro, ya que es un espacio propio. Propongo dejar el aislamiento, lo rígido y volvernos un poquito más humanos. Creo que cuando se logra ser más humanos se puede alcanzar el amor.

Velové es una mirada que trasciende, en tu obra, ¿Cómo reflejas esto con el lenguaje corporal?
Una mirada que trasciende es una mirada a la vida desde su reverso. Con el lenguaje corporal nos hemos planteado hacer una obra que no se denomine bajo los códigos dancísticos, sino desde los códigos de una obra en sí. No hay narrativa, se responde desde estímulos que objetan a un gesto, que se transforma a su vez en movimiento para llegar a la acción.

Las intervenciones a hechos consumados suelen despertar puntos de vista encontrados. Unos, los más tradicionalistas, en pro de mantener inalterados los cánones y las estructuras; otros, los más abiertos, en función de las nuevas lecturas e interpretaciones que puedan surgir a partir de reinterpretar y darles significados distintos a esos preceptos. Ambos con fundamentos estructurados y definidos en función de lo que quieren hacer y decir.

Por eso resulta un poco extraño, pero a la vez gratificante, que ambas visiones se conjuguen en una misma propuesta escénica que plantea a un mismo tiempo lo tradicional en convivencia con lo contemporáneo.

Tal es el caso de El abrazo… de la milonga al cabaret, espectáculo en un acto único de Alberto León, con la compañía Fuera de Centro, entrelazado por medio de cuadros coreográficos que parten del empleo del tango clásico, la danza contemporánea, el teatro físico y el cabaret, de tal suerte que la propuesta final es un diálogo cruzado entre dos visiones dancísticas en apariencia en cierta oposición.

Con unos cuadros iniciales apegados al contexto del tango clásico, el espectador espera un montaje así, clásico, de taberna y arrabal, de mujeres fatales y “chulos” enfundados en sus trajes y sus sombreros de ala caída, con todo y los viejos tangos de Gardel.

Suzanne Miller y Allan Paivio han envuelto virtualmente al público con espectáculos que definen como “teatro total”, al combinar hipnóticas secuencias coreográficas con paisajes sonoros electrónicos. Evoluciones que funden cada faceta de su experiencia escénica en un encuentro integral con lo sublime…

Con más de con más de 30 trabajos en los que la clave es la experimentación, estos dos artistas llegan a nuestra ciudad con el espectáculo SPEED Sped-Up, un proyecto que se dio gracias a una serie de actividades culturales e intercambios artísticos que inició hace ocho años, cuando la pareja canadiense -quienes desde 1998, han trabajado creando un repertorio híbrido y policultural de danza y música nuevas, únicas en Canadá- estuvo en México, para presentarse con Cecilia Appleton en la escena de la danza contemporánea.

Poética, risa y danza en respuesta a la situación dancística en nuestro país

Con el montaje de Che, Conquista y A-mante religiosa, tres obras clásicas de su repertorio creadas por Michel Descombey, el Ballet Teatro del Espacio (BTE) lleva a cabo la Temporada de Verano 2008, agregando el atractivo del estreno de la coreografía La última Sílfide en busca de una beca.

Sin restarle seriedad a la discusión sobre la crisis cultural por la que atraviesa el país, misma que ha impactado a todos los grupos artísticos, incluyendo el BTE, el director Michel Descombey creó esta nueva coreografía que para el maestro representa “una comedia coreográfica que plantea la confusión, deseos y obstáculos que experimenta una bella bailarina dentro de su entorno íntimo, profesional y social”.

Con la interpretación de Malinka González, en esta ocasión la danza utiliza la risa y comicidad para plantear la dura realidad cultural que enfrentan los creadores escénicos en México, donde pese a la calidad y talento, la mayoría de las veces los sueños, anhelos y aspiraciones quedan sepultados por una enorme cantidad de obstáculos y la frustración de no poder avanzar en un ámbito sobresaturado por burocracias que te impiden avanzar en aras de estándares poco confiables.

El despertar de la naturaleza a través de un producto multidisciplinario.

Impactado por el daño ambiental, Jaime Camarena, director de la compañía de danza contemporánea A poc A poc habló sobre La fiesta de los Bárbaros (El monstruo Reciclador), creación de corte ecológico que próximamente estrenará.

¿Porqué inmiscuirse en el rollo ecológico?
Decidimos colaborar con la problemática ambiental desde nuestro oficio porque hay que reflexionar sobre el papel que jugamos todos dentro de este panorama. No olvidemos que la responsabilidad no es de unos cuantos, todos consumimos y existe una enorme dispendio y desinformación acerca de qué hacer con nuestros deshechos sólidos. El progreso y el desarrollo son imposibles si uno sigue haciendo las cosas tal como siempre las ha hecho.

Gloria Contreras se inspira en la visión astronómica de Galileo, para llevar a escena Una mirada en movimiento, exposición coreográfica que expone las convicciones que llevó al científico italiano a un punto de conflicto, debido a su planteamiento heliocéntrico -con el cual postulaba al Sol como centro del universo, poniendo en duda el dogma de fe-, con el Tribunal del Santo Oficio, el cual finalmente obligó a Galilei a negar sus creencias en esta teoría.

Una discreta mirada de la Contreras a uno de esos amargos pasajes ante las leyes eclesiásticas personificados por Galileo, gran hombre de ciencias cuya contribución más renombrada recae en el uso del telescopio para la observación de las manchas solares, valles y montañas lunares.

Llevado al escenario a través de la visión coreográfica de la maestra y la partitura de Bela Bartók, este estreno, que será presentado en la función de este domingo 22 domingo en la Sala Miguel Covarrubias del Centro Cultural Universitario, es una invitación realizada por la Unión Astronómica Internacional (UAI) -con el patrocinio de la UNESCO y la Asamblea General de las Naciones Unidas- para la participación en el Año Internacional de la Astronomía.

Los descubrimientos más inquietantes siempre emergen de lo más profundo de la curiosidad, sobre todo cuando lo que se busca es la identidad propia a través de los otros. Puede sonar bastante complejo, pero no queda de otra cuando se es, precisamente, nuevo en este mundo. Y es que una primera mirada al entorno no parece muy alentadora cuando los seres que nos rodean son un tanto confusos: mamá, papá, tío, hermana, abuelo… ¿qué significado tienen tales palabras y por qué parecen estar en un movimiento continuo que los hace inasibles? ¿Qué hacer para tratar de entenderlos, a ellos y a esos otros seres aún más escurridizos que caminan sobre cuatro patas?

Tales pueden ser las premisas de Un ser, habitante de la tierra, espectáculo de la compañía Contradanza bajo la dirección y con la coreografía de Cecilia Appleton, que recientemente concluyó temporada en el Teatro Isabela Corona y este mes se presenta en el Teatro Legaria.

Festejo por quince años de trayectoria de Nemian

La danza se festeja bailando y para hacer honor a esta profesión que lleva ejerciendo por quince años con la Compañía Nemian, Isabel Beteta, directora y fundadora de la agrupación presenta El jardín de las delicias, obra inspirada en el mito de la Caja de Pandora que plantea la curiosidad como un elemento inherente a la condición humana que “per se te llevan a descubrir las polaridades del hombre, mismas no son ni buenas ni malas sino que exponen que todo radica en cómo se utiliza lo aprendido a partir de esta curiosidad”.

Utilizando en esta ocasión papel de china, como el elemento que crea la ilusión y sensación de ese algo que se gesta bajo éste, la agrupación recrea un ente vivo y mítico que se divide para después reencontrarse y reconocerse. Una lucha donde se plasma la violencia, parejas que en un movimiento lento y sugerente representan la ira contra el otro, cada movimiento es pausado subrayando de igual forma la sensación de fuerza y posteriormente dar paso a la compasión.

Sobre la característica de utilizar un elemento escénico para acentuar el discurso escénico de la agrupación, la maestra Beteta comentó: Como compañía hemos crecido y dado un lenguaje propio al grupo. En este sentido, el trabajo corporal ondulatorio y utilizar uno o dos objetos como máximo en escena le da coherencia a nuestra propuesta coreográfica, para cada obra trato de buscar un lenguaje único, un movimiento que sea natural al grupo enriquecido con otras disciplinas. En el caso de esta obra se tomó un taller de aikido para saber como agredir al otro y no lastimarlo porque el concepto de la obra así lo pide.

Este año, la Compañía Nacional de Danza (CND) celebra 45 años en la escena dancística; la despedida de una sus principales figuras, Irma Morales; el primer cuarto siglo de la coreografía de Carmina Burana y la bienvenida a una estrella internacional que se formó en sus filas, Jaime Vargas. Eslabones de una historia que aún depara grandes fechas para recordar y bailar.

Así, una noche orffiana se prepara en Bellas Artes evocada por el carácter, intensidad y fuerza que caracteriza a la música del compositor alemán, la Compañía Nacionalidad de Danza interpretará en breve temporada dos de las obras concebidas por Carl Orff en la trilogía Trionfi (Triunfos): Carmina Burana y Triunfo de Afrodita.

Representantes de un antes y después en la historia estética de la Compañía, Carmina Burana es sin duda una de las coreografías más taquilleras de la institución desde su primera presentación hace 25 años; por su parte, Triunfo de Afrodita pasó la prueba de fuego con gran éxito en su estreno, en octubre del año pasado, lo que parece indicar que esta obra seguirá el mismo camino que la Burana y se convertirá en otro clásico de la CND.