Como parte de este Convenio, se llevarán cabo diversas actividades para conmemorar las celebraciones por el 40 aniversario de Relaciones Diplomáticas entre México y China, así como parte del las festividades por el Año Nuevo Chino, que este año es regido por el dragón, un símbolo muy especial pues lo asocian con la fuerza, la salud, la armonía y la buena suerte.

Además en esta celebración que enmarca el 40 aniversario, se preparan otros eventos culturales como la realización de una exposición de piedras preciosas entre ambos países, misma que será realizada en conjunto entre el Museo Palacio Imperial de la Ciudad Prohibida de China y el Museo Nacional de Antropología e Historia. Asimismo se proyecta traer diferentes instituciones artísticas de gran calidad que participarán en el Festival Internacional Cervantino; llevar de México a China una muestra especial que participe en la Bienal Internacional de Arte de Beijin y organizar un Festival de Cine Chino.

Por otro lado, el próximo lunes 23 de enero, la comunidad china asentada en México, celebrará el inicio del Año Nuevo Chino, conocido como también como Festival de Primavera, una fiesta de más de 4 mil años de antigüedad donde se reúne la familia y los amigos para desear buena suerte en el año que inicia.

Así como la presentación del Ballet Folklórico de la Provincia de Shanxi que realizará una función especial donde este grupo con más de 50 años de trayectoria, que en este momento realiza una gira por diversos países del mundo, ofrecerá el próximo sábado 28 de enero en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, un mosaico de danzas que representan la tradición de distintas regiones de este país asiático, con son las costumbres del mundo rural de la provincia de Shanxi, sus celebraciones tras la cosecha, matrimonios en el campo, así como una danza proveniente del Tibet en la que se demuestra deseos de buena suerte y la belleza natural de los paisajes que dibujan las montañas y los ríos de esta región.

“Lo más relevante para el Distrito Federal y sus habitantes es el fortalecimiento de los intercambios culturales y educativos, esto demuestra el entendimiento entre los pueblos que se da a partir del respeto y conocimiento de sus tradiciones y cultura, lo que permite elevar la calidad de vida de sus residentes.”, Anabel Ortega, Coordinadora de Asesores de la Secretaría de Cultura del Distrito Federal.

Ballet Folklórico de la Provincia de Shanxi, un espectáculo que plasma el misticismo, la magia y el folclor de una cultura que lleva su visión artística enmarcada por un colorido del vestuario, música tradicional y coreografías ancestrales. Paisajes que muestran lo más característico del arte tradicional y folclórico de esta provincia ubicada a orillas del segundo río más importante de China

En esta vigésima quinta edición, también participaron Laura Ruiz Mondragón con la obra Breve ensayo sobre el riesgo; Erik Rosales con Ensayo y error; Eréndira López que presentó la coreografía A ti; y por último, Omar Luqueño con la interpretación de 306212: No todo se cuenta por manzanas.

El jurado integrado por los coreógrafos Silvia Unzueta y Saúl Maya; así como por el músico Eduardo González, llegó a la decisión de premiar a Rodríguez originario de Acapulco, Guerrero, quien describió su coreografía como la “Historia de tres personajes inmersos en una realidad incierta… alejados, pero -a la vez- atraídos por un contexto social de todo mexicano. Realidad tan realidad”.

El novel coreógrafo es egresado de la Escuela de Danza Contemporánea Ollin Yoliztli. En su trayectoria ha bailado en los principales foros como en la Sala Miguel Covarrubias, el Teatro de la Danza, Teatro del Pueblo, Teatro de la Ciudad. Además, se ha presentado en las Jornadas Alarconianas, en Taxco y en diversos foros de Acapulco; así como en Santiago de Cuba.

Además de la pieza ganadora, el jurado eligió a Karla Beltrán y Erik Rosales como los mejores bailarines del evento. Karla Beltrán es egresada de la Academia de la Danza Mexicana, donde obtuvo el título de Intérprete de Danza de Concierto. Como bailarina participó en diversas temporadas de la Compañía Nacional de Danza, así como en las giras a México del Ballet Nacional de Cuba, el Royal Ballet y el Teatro Regio di Parma.

Fue integrante del Joven Ballet de Monterrey, el Ballet de Cámara de Morelos, el grupo Solistas de México, Danza sin Fronteras, Ardentía y Humanicorp. En 2008 ingresó a la compañía Les Ballets Persans en Estocolmo, Suecia, realizando una gira a Londres.

Respecto a Erik Rosales, es egresado del Diplomado de Vinculación Dancística Profesional de Los Talleres de Coyoacán a cargo de Javier Romero Dueñas e Isabel Beteta. En Los Talleres trabajó con coreógrafos como Mauricio Nava, Magdalena Brezzo, Gregorio Trejo, Javier Romero y la propia Isabel Beteta. Ha bailado en recintos como el Teatro de la Ciudad, Sala Miguel Covarrubias, Sala Ollin Yoliztli, Teatro de la Danza y en la Plaza de la Constitución, entre otros.

El Concurso Interno de Coreografía del Ballet Independiente es una de sus tradiciones más valiosas de este ensamble que dirige la maestra Magnolia Flores y tiene en la dirección artística a Edgar Robles. De esta competencia han surgido destacados creadores que han revitalizado no sólo a la compañía, sino al movimiento dancístico del país. Cabe destacar que este fue uno de los primeros estímulos estables para la creación dancística cuando no existían escuelas formales de coreografía en México.

En su tiempo, Raúl Flores Canelo, con su peculiar sentido del humor, narró a la periodista Alegría Martínez que como “dictador” del Ballet Independiente instauró este Concurso en 1982.

En él, pueden “participar cualquier miembro de la compañía que lo desee. Ellos muestran su trabajo en una presentación formal ante un jurado… Pero, más que nada, esto es para presionar su creatividad. Ésta es la forma en que quienes tienen inquietudes para crear lo hacen”, comentaba el director fundador de la compañía.

El Concurso Interno de Coreografía del Ballet Independiente es un espacio que busca propiciar la creación y la concepción de un discurso estético a partir de las herramientas que los intérpretes utilizan en el quehacer cotidiano de la reflexión dancística. Fotos danza: Gabriel Morales.

Este bello cuento infantil fue escrito en alemán en el año de 1816 por Ernst Theodor Amadeus Hoffman y Alejandro Dumas lo adaptó al francés. Fue hasta 1891 que el coreógrafo Marius Petipa propuso a Tchaikovsky, realizar un proyecto para la adaptación del cuento en ballet, el cual fue estrenado el 17 de diciembre de 1892, en el Teatro Marynsky de San Petersburgo, con coreografía de Lev Ivanov y con la participación de los bailarines Antonietta Dell’Era como el Hada de Azúcar y Paul Gerdt, su caballero en los roles principales.

Es así que en el ámbito de la cultura y el divertimento, la versión coreográfica de El Cascanueces de la Compañía Nacional de Danza se ha convertido en un verdadero clásico que sin importar las ocasiones en que se ha disfrutado conserva ese encanto especial que hace que él público regrese una y otra vez para ser seducido por la historia de la pequeña Clara y su onírico viaje que realiza en la noche de Navidad.

Con una trayectoria de más de tres décadas, la versión coreográfica de Nina Novak, sobre la original de Lev Ivanov, que infaliblemente presenta la CND se ha convertido en un espectáculo obligado que sin presentar ninguna novedad siempre goza de popularidad y demanda entre el público de todas las edades.

Se trata de una práctica que no puede pasar desapercibida y que según el maestro Carlos López, coreógrafo y régisseur de la CND, “El Cascanueces es absolutamente tradicional porque su tema es la Navidad, de tal manera que aunque nosotros hayamos vivido 10 o 15 fiestas como ésta la seguimos festejando permanentemente porque cuando llega esta época todo mundo la quiere pasar bien y se prepara en diferentes formas, unos comprando regalos, otros comiendo dulces, otros preparando la cena, entonces como este ballet está relacionado con la Navidad la gente acude a verlo porque es una tradición, no importa si lo viste cuando eras niño, ahora quieres volver a vivirlo y compartirlo con tus hijos”.

Considerado el ballet más representado en el mundo, algunos pensarían que esta coreografía bien podría renovarse con otro punto de vista o tal vez con una versión más atrevida, empero para el maestro Carlos López esta posibilidad ni siquiera se contempla porque El Cascanueces es su versión mexicana es “un espectáculo que ha funcionado por el tema, la historia y la música de Tchaikovsky, entonces la gente quiere volver a verlo, es como el nacimiento que lo tienes todos los años pero quieres volverlo a tener. Aquí lo que funciona es lo tradiciona, en Nueva York la puesta que lleva todos los años es la de George Balanchine y nuestra versión es tan fresa y normal como aquella”.

En este 2011, cuando El Cascanueces cumple 30 años de actuaciones (la primera versión se estrenó en Monterrey en 1980 y desde entonces, año con año se presenta, sólo en 1985, cuando el país estaba de luto por el terremoto no se presentó), este cuento coreográfico realizará una más de sus tradicionales temporadas, del 16 al 23 de diciembre, en el Auditorio Nacional.

Y para aquellos que creen que todo se ha dicho sobre El Cascanueces de la Compañía Nacional de Danza, habría que recordar que después del estreno en 1980, la coreografía original fue modificada debido a la poca aceptación que tuvo y fue entonces cuando tres grandes creadores añadieron su visión a este gran sueño.

“Esta versión es un collage en el cual participamos cuatro coreógrafos, Nina Novak, Jorge Cano, Laura Echeverría y yo. Las modificaciones no pararon durante muchos años, la obra tal como se presenta ahora debe tener como 15 años, la dejamos clásica y nuestra versión gusta tanto que nos hemos convertido en un clásico de la temporada navideña”, Carlos López.

Con más de 70 bailarines, 80 músicos, 50 niños y música en vivo a cargo de la Orquesta del Teatro de Bellas Artes, se deleitará con este enorme espectáculo que se ha convertido en una sólida tradición que la Compañía Nacional de Danza ofrece al público de la ciudad de México.

El Cascanueces, es un espectáculo que ha permanecido en el gusto del público y que sigue siendo un éxito para ir empapándose del espíritu navideño y recordar que siempre hay espacio para la fantasía.

Además para celebrar la ocasión, la Máxima Casa de Estudios publicó el libro Taller Coreográfico de la UNAM. 40 años de danza en México, el cual reúne más de 400 imágenes que narran la historia de la compañía, así como textos de ex rectores de la institución académica y críticos de danza. Esta publicación que descubre una parte fundamental del trabajo dancístico en nuestro país que se realiza desde hace ya varias décadas, lleva una introducción del maestro Sealtiel Alatriste y del maestro Cuauhtémoc Nájera; los testimonios de dos periodistas culturales que han acompañado al TCUNAM desde su comienzo, Manuel Blanco y Humberto Musacchio; así como la participación de tres críticos y una breve historia de la compañía.

“Los eventos conmemorativos del TCUNAM han sido reflejados en este libro como una forma de construir la historia de la danza en México. Los ensayos ofrecen visiones del desarrollo y de las contribuciones artísticas, y son ejemplos de la capacidad de producción de mensajes distintos que toman la danza como medio de expresión”, Mitchell Snow.

Esta presentación editorial se llevó a cabo el pasado jueves 10 de noviembre, en la Sala Carlos Chávez del Centro Cultural Universitario, con la presencia de Sealtiel Alatriste, Cuauhtémoc Nájera, Guillermo Soberón Acevedo, Francisco Barnés de Castro, Mitchell Snow, Patricia Aulestia y Gregorio Luke, como moderador.

Regresando a esta última presentación del 2011, las funciones tendrán lugar el viernes 16 de diciembre en el Teatro Arquitecto Carlos Lazo, anexo a la Facultad de Arquitectura y el domingo 18 de diciembre en la Sala Miguel Covarrubias del Centro Cultural Universitario.

El programa dará inicio con Capriccio, un ballet en tres tiempos montado sobre el Concierto para piano y orquesta del compositor ruso Igor Stravinsky, una obra que da vida a movimientos nunca antes vistos a partir del lenguaje coreográfico de la maestra Contreras, quién acepta que éste es uno de los ballets más complejos que ha realizado, por el grado de dificultad de los movimientos.

Enseguida se bailará Serenata española, un dueto de gran rigor técnico que muestra una relación tan amorosa como desafiante, con música de Manuel M. Ponce. Inmediatamente después se interpretará Arrebato, este pas de deux impregnado del furor causado por la intensidad de la pasión que conlleva la obra de Piazzolla.

A continuación se representará El venado, una danza tradicional que simboliza un ritual celebrado por los indios yaquis y mayos de los estados mexicanos de Sinaloa y Sonora en la versión de Angelina Géniz, una dramatización de la cacería de este animal, héroe de los cazadores paskolas.

Otra de las piezas a interpretar es uno de los ballets favoritos indiscutibles del público: Danzón, obra en la que tres parejas utilizan la técnica clásica para llevar la esencia de este ritmo, conceptuado con la visión clásica de Arturo Márquez, a niveles coreográficos.

De acuerdo con el Evangelio de San Lucas, en la visitación de su prima Isabel, la Virgen María le ofrendó un cántico al Señor, mismo que recibió el nombre de Magníficat y a partir de entonces se entona al final de las vísperas. Bach era un creyente arrojado que compuso esta obra dedicada a este capítulo. Magníficat, es la coreografía que cierra este programa, una creación de Gloria Contreras donde la danza expande el sentimiento y lo sitúa en la capacidad religiosa de ofrecer hermandad.

El Taller Coreográfico de la UNAM es considerada una agrupación dancística única en su género, debido a su estilo inconfundible, propio y universal, que en 40 años de existencia ha integrado un repertorio sui generis y activo, inspirado en música que abarca desde el siglo XII hasta la época contemporánea.

“Las obras son las que tiene la palabra, pero el proyecto del TCUNAM desde hace mucho tiempo le pertenece a los bailarines, a los iluminadores y a todos los que trabajan en este ensamble. Para todos ellos es este festejo”, Gloria Contreras.

Y es que tratándose de Rivera, sus actuaciones tienen ese tono de descaro, desenfado y orgullo que lo caracterizan y que con gran acierto ha sabido plasmar en su extenso trabajo coreográfico.

En reconocimiento a esta labor escénica, el próximo 5 de diciembre, el Palacio de Bellas Artes se convertirá en el escenario para que La Cebra, cual bella y lozana quinceañera, celebre sus primeras 15 primaveras, y para no restarle solemnidad al evento se develará una placa conmemorativa.

Es así que a más de una década de la fundación de su compañía, José Rivera ha logrado consolidar una posición privilegiada dentro y fuera de la comunidad LGBT (lésbico, gay, bisexual y transgénero), más allá de las preferencias sus obras logran convocar a un público variopinto que sin prejuicios goza con su peculiar forma de hacer danza.

“Llegar a estos 15 años es un logro muy significativo, para mi y para los bailarines que me están acompañando en este momento. Algunos de ellos ya tienen muchos años trabajando conmigo, como Cesar Romero, Cristian Rodríguez y Bruno Ramírez. Es muy difícil mantenerse como compañía independiente en este país y como bailarines ya son muy pocos los que se mantienen estables porque ahora están en proyectos y cambian de compañías constantemente y este aniversario es también un logro para la comunidad que yo represento”, José Rivera.

Empero, más allá de quedarse en una zona de confort que pudiera significarle un éxito inmediato y sin esfuerzo, el también bailarín potosino –que es reconocido como el hijo más aventajado del maestro Raúl Flores Canelo–, ha conquistado a público y crítica con su técnica y don para bailar, conquistando con esto escenarios para otros creadores y ganando un espacio digno para la comunidad LGBT.

“Por la calidad de mi trabajo se me han abierto puertas. Al principio era yo el que buscaba y ahora me llaman para que de funciones en varias instituciones de la ciudad y por el interior de la República Mexicana. Estamos dando 50 funciones al año, un logro muy significativo en muchos sentidos. Hemos representado a México en varios festivales en el extranjero donde la gente se queda muy sorprendida de que en nuestro país haya una compañía como esta que no solo representa un trabajo artístico sino a toda una comunidad que ha sido discriminada. La Cebra ha puesto su granito de arena para que esto suceda porque estamos presentes todos los días por toda la ciudad y guste o no se debe tener una apertura para la comunidad, y esto se ve reflejado también en los teatros y otros espacio escénicos”, José Rivera.

En la función del próximo 5 de diciembre en el Palacio de Bellas Artes, el programa coreográfico que presentará La Cebra integra piezas de su repertorio artístico y otras obras de reciente creación, como Danzón para un hombre que se convierte en sandía, Cartas de amor, Retromoda (Pasarela VIH), Ave María Purísima (de prostitución y lentejuelas) y Antes que amanezca (Cuando ya va bien mala).

Con más de 15 años de trayectoria, el trabajo de José Rivera ha sido parteaguas en más de un sentido en la danza mexicana, hoy celebra porque hay mucho por lo que brindar, su trabajo –le guste o no a sus detractores– ha marcado huella y más de uno sin confesarlo del todo puede decir que tiene algo del propio José. ¡En hora buena! Fotos: Daniel Ochoa.

Su contenido dancístico basado en la kafkiana novela La metamorfosis, tiene la valiosa peculiaridad de sumergir a sus intérpretes y a las audiencias en una bella alucinación coreográfica, que nos deja ver no sólo el talento y oficio de su creador, sino también la disposición y habilidad de sus intérpretes quienes rebasan el entendimiento de su propio lenguaje de movimiento para escenificar una atinada fantasía en sepia.

Onírica contiene escenas, personajes, escenarios, objetos, donde el NO espacio está claramente definido, aprovechado y cuya artística iluminación evoca la habitación donde se duerme consciente y se sueña inconsciente en fase REM (Movimiento Ocular Rápido), es decir, el último tramo del ciclo del sueño que se recuerda al despertar y a lo cual le buscamos siempre un significado.

La pieza no sólo cumple con las posibles fantasías de todo aquel que haya experimentado el hecho de soñar, lo absurdo, lo abstracto, lo bello o bien lo definible, sino que además cuenta con una genuina interpretación de iniciados en la danza: Fayolane González e Iván Suárez.

Una creación donde el sello de Gregorio Coral como director es innegable, pero también expone de manera brillante y sorprendente la experiencia de una bailarina como Adriana Coral, que en esta ocasión dejó de lado el sigilo para exponer en una sola noche varios años de experiencia en la danza; además de un gran talento.

Lo anterior aunado a la experiencia escénica de Gregorio Coral, a quien se le observó danzando alejado de la presunción como un guía conductual en movimiento, que lo mismo sabe entrelazar su idea escénica con arriesgados recursos como el uso del agua, que arropa con elegancia un movimiento sencillo, bien ejecutado, incluso fresco.

Este trabajo dancístico es sin duda el resultado de 15 años de trayectoria en una constante búsqueda relativa al lenguaje de movimiento, a la construcción de una clara y lograda dramaturgia que a lo largo de todo este tiempo Subterráneo Danza había experimentado en contadas ocasiones, pero que en el caso de Onírica consagra como creador a Gregorio Coral, ubicándolo como un coreógrafo que no solo sabe lo que quiere, sino que además lo transmite a su agrupación, al público e incluso a los críticos más temidos de la danza nacional.

Hay que recordar que esta coreografía, le valió a su creador un favorecedor texto por parte de Rosario Manzanos, una de las plumas más estrictas en la crítica dancística mexicana durante la pasada edición de la Muestra Internacional de Danza Cuerpos en Tránsito.

Gregorio Coral es bailarín, coreógrafo y docente. Formado con distintos maestros de México y del extranjero, realizó estudios de danza clásica, danza contemporánea, danza butoh, teatro físico, performance y acondicionamiento físico.

Su formación en varias disciplinas, se refleja en la forma de concebir la danza y el uso del escenario: un pie en lo convencional y otro en lo experimental. Es fiel a la improvisación y a la plástica escénica, usando el azar como piedra angular para ensamblar sus trabajos creativos.

Capacidad de creación que muestra en los escenarios a través de la proyección de Subterráneo Danza Contemporánea, ensamble que nació en Tijuana en el mes de agosto de 1997. Desde entonces, el grupo no cesa de crecer y destacar su presencia en los escenarios de la región y de su sede en la Casa de la Cultura de Tijuana.

Subterráneo Danza, busca atraer a espectadores generalmente alejados de las artes escénicas, donde a través de una contundente creación reflejan la gran metáfora que encierra el cuerpo humano. Onírica garantiza prolongados aplausos en diferentes foros. Fotos: Julio Blanco.

Los antiguos griegos dividieron a las artes en superiores y menores, siendo las artes superiores aquellas que permitían gozar las obras por medio de los sentidos superiores —la vista y el oído—, mismos con los que no hace falta entrar en contacto físico para apreciarlas. Las Bellas Artes eran seis: arquitectura, escultura, pintura, música, declamación y danza. La declamación incluía poesía, y con la música contenía el teatro.

¿Y por qué todo esto? Es que llevo días preguntándome cuál es la expresión artística más bella. Un lunes pensaba que era la pintura. Al día siguiente, al caminar por el Centro Histórico de la Ciudad de México me decidí por la arquitectura. El miércoles pensaba que la escultura. Al terminar de leer mi libro de cabecera pensaba, que la literatura. El viernes definitivamente creía que era la música. Sin embargo, el domingo, después de ver La fierecilla domada, me quedo con la danza.

Una función muy especial donde lo que observé fue la necesidad de la Compañía Nacional de Danza de expresarse y comunicarse mediante formas, colores, sonidos y movimientos. Sin diálogos de por medio y utilizando tan sólo el lenguaje coreográfico conserva el humor, la ironía y los elementos dramáticos de una de las obras más traducidas de William Shakespeare.

Escrita entre 1593 y 1594, La fierecilla domada es una comedia romántica cuya adaptación al ballet fue hecha por el afamado coreógrafo sudafricano John Cranko en 1969 y retomada hace cuatro años –en su primer montaje en el Palacio de Bellas Artes– por la CND, ya bajo la dirección de Silvie Reynaud, con la música del alemán Kurt-Heinz Stolze, a partir de la obra barroca de Domenico Scarlatti. La percepción de este compositor generó una música colorida, variada y vital, excelente extensión para el trabajo de Cranko, y significó una fuente de inspiración para los bailarines.

En la presentación de esta temporada 2011, la interpretación de la música corre a cargo de la Orquesta del Teatro de Bellas Artes bajo la batuta del director huésped José Areán. Asimismo, la belleza y encanto de los diseños escenográficos de Elisabeth Dalton hacen un homenaje arquitectónico al escenario teatral shakesperiano. El vestuario, también diseñado por Dalton, resalta el carácter humorístico de los personajes.

Contada con la asesoría del bailarín Richard Cragun – repositor oficial de Cranko –, tiene en Catalina al personaje principal. Ella, quien es joven y de carácter tempestuoso, rudo y poco femenino, se interpone entre su hermana Bianca y sus tres pretendientes (Hortensio, Lucencio y Gremio).

Al contrario de Catalina, Bianca es de personalidad más dulce y dócil. Sin embargo no podrá casarse hasta que su hermana mayor lo haga primero. Al ver frustrados sus intentos de cortejo, los candidatos a la mano de Bianca traman un plan y convencen a Petruchio, caballero generoso pero con pocos recursos económicos, para que conquiste a la “fierecilla”.

A pesar de que Catalina reacciona violentamente a las propuestas de Petruchio, al final éste la convence de casarse. A partir de ahí vendrán muchas lecciones para todos los personajes y se darán cuenta que las apariencias engañan.

En fin, que esta historia shakesperiana plantea la naturaleza engañosa de las apariencias, y de cómo una mujer que parecía indomable y con quien nadie deseaba casarse, termina siendo una esposa cariñosa y obediente. Y nuevamente las apariencias pueden estar engañando, porque tal vez ella no resulte domada sino, mediante el cambio que sufre, puede dominar la situación, al esposo y a su casa.

“Cuando trabajo con los bailarines de la CND pongo énfasis en la construcción de personajes, tratando de reinventar y usando como fondo no sólo la coreografía sino también la literatura de Shakespeare. Lo que intento enseñar es que aborden al personaje, desde el principio, de una manera nueva y fresca. El propósito de remontar la obra y trabajar con los bailarines es enseñarles exactamente aquello en lo que Cranko ponía énfasis: la interpretación, y no sólo aprender pasos y coreografía. No le gustaba que alguien copiara los pasos de otro, buscaba la motivación, y su genio estaba en cómo interpretaba los papeles”, Richard Cragun.

John Cranko, a través de su genio y creatividad, conjuntó varias circunstancias y personalidades para llevar La fierecilla domada a la danza, una de la grandes creaciones que junto con Romeo y Julieta y Onegin representan las tres joyas dancísticas más importantes de Cranko. La Compañía Nacional de Danza invita a todos aquellos que gustan del ballet a disfrutar de esta pieza que con orgullo forma parte de su repertorio.

La más grande promesa del ballet mundial, Isaac Hernández, un jalisciense que apenas ha cumplido los veinte años y recién fue promovido a solista del San Francisco Ballet convoca a figuras de las más reconocidas compañías del mundo anglosajón como Ashley Bouder y Joaquín De Luz del New York City Ballet; la mexicana Katia Carranza del Miami City Ballet y del Royal Ballet inglés, viene Esteban Hernandez (otro de la camada de los Hernández) para un mano a mano (o pie a pie) entre figuras nacientes y/o consagradas.

Del San Francisco Ballet, comparten esta Gala con Isaac, Frances Chung de Canadá, los rusos Guennadi Nedvigin y Maria Kochetkova, el español Jaime García, el cubano Joan Boada, el australiano Damian Smith y Yuan Yuan Tan de origen chino. Además de dos bailarines independientes muy reconocidos: Rubinald Pronk y Drew Jacoby.

Hernández, hijo y hermano de bailarines, ha sabido moverse entre diversas escuelas de danza, en parte por las becas otorgadas gracias a sus méritos técnicos y artísticos y, en cierta medida también, por la intuición de escoger una compañía que igual puede catapultar a jóvenes bailarines o servir de refugio a quienes han audicionado sin éxito en otras agrupaciones como el ABT en Nueva York o en Londres con el RB. La Opera de Paris y las compañías rusas quedan a resguardo de sus respectivos conciudadanos.

Isaac, contando apenas unos 14 años de edad, hizo una sorprendente aparición en el Auditorio Nacional dentro de una Gala entre estrellas consagradas y dejó un buen recuerdo por su seguridad y precisión técnicas así como por su aplomo en el escenario. Después regresó con la Compañía Nacional de Danza en un discreto pas de deux de Don Quijote.

Ahora, después de años decisivos en la maduración y definición de la carrera de un bailarín, regresa a darlo todo para convertirse en emblema nacional, a la par de los tenores que nos han dado gloria allende las fronteras.

El programa anunciado por Bellas Artes como Un momento para soñar, incluye inevitables y siempre requeridos pas de deux para la ocasión y algunos fragmentos que se verían por primera vez como Diving into the Lilacs (no confundir con el clásico Jardin aux Lilas de Tudor) y una creación del islandés Helgi Tomasson, director artístico del SFB y famoso bailarín en las décadas de los setenta y ochenta del pasado siglo.

Coincidiendo con Isaac Hernández, la compañía californiana alberga entre su cuadro estelar a varios bailarines latinoamericanos (los cubanos Jorge Esquivel y Joan Boada, por ejemplo) así como españoles y franceses, entre estos últimos, Sofiane Sylve, famosa por sus pirouettes múltiples dignas de los récords Guinness.

Poder presumir de un bailarín de la talla de Isaac Hernández debe ser motivo de orgullo, máxime cuando el único triunfo real de bailarines mexicanos en escenarios estadounidenses (hay otros nombres pero no señeros) se remonta a los tiempos de José Limón. Cuántas devaluaciones del peso y artísticas se han sucedido desde entonces.

Antonio Quiles Villanueva presenta en la escena contemporanea dejándonos ver un concepto de danza-teatro que muestra con ironía crítica una pieza sobre los conceptos de ÉXITO y FAMA en la sociedad actual. Porque como el coreógrafo dice: Artistas en búsqueda del éxito, fama, triunfo, gloria, celebridad, renombre, notoriedad, popularidad, prestigio, reputación, honor. Yo artisteo. Tú artisteas. Nosotros artisteamos…

Con la colaboración de artistas mexicanos y españoles, esta obra que comparece en la Temporada de Danza Emergente, combina la danza con otras formas de expresión como el vídeo y el lenguaje teatral, una idea original de Quiles, quien a partír de cuentos de Augusto Monterroso, textos de Gao Xingjian y algunos del propio coreógrafo que con este trabajo responde a un cuestionamiento sobre el porqué las diversas partes de la creación artística buscan el siempre complicado y necesario reconocimiento social. Todos queremos nuestros 15 minutos de fama… Pero la fama cuesta, ¿Hasta donde estás dispuesto a llegar? Y una vez que llegas… ¿Qué haces?

Antonio Quiles Villanueva, estudió y desarrolló una amplia carrera como actor, bailarín y coreógrafo en su natal España. Su calidad y excelencia lo han llevado a presentarse en importantes escenarios de Europa, como Holanda, Inglaterra, Suiza, Bélgica y Alemania, además de incursionar en espacios de Cuba y México.

Aún cuando su edad es bastante corta (09/09/74), su trayecto como amante de la danza y otras diversificaciones artísticas se puede definir como un camino bien sembrado que lo ha llevado a un interesante desarrollo como protagonista de las artes escénicas. Inició sus estudios en 1998, en la Facultad de Cuenca, Universidad de Castilla-La Mancha. Además perfeccionó sus estudios en Nottinghan Trent University (Inglaterra).

Finalmente llegó a la danza contemporánea, en la especialidad de coreografía en la Dansakademie, Hoogeschool voor de Kunsten Arnhem en Holanda (2002-2005), así como en el Centro Andaluz de Danza (1998- 2001). En paralelo estudió teatro y dirección escénica en la Theateracademie Hoogeschool voor de Kunsten Utrecht (Holanda) (2001- 2002) y en el Centro Andaluz de Teatro (1992-94) Sevilla.

También se especializó en Danza Integración: Danza Contemporánea, con Adam Benjamín, un proyecto donde a través de la danza contemporánea trabaja con bailarines profesionales y bailarines discapacitados físicos y/o psíquicos, aproximandose a muy diversos colectivos y grupos poblacionales, impartiendo cursos y talleres de artes escénicas en diversas instituciones con la firme creencia de que el arte se manifiesta como forma de unión y transformación social.

En su trayectoria como bailarín ha trabajado con las compañías: i-dance co. (Holanda), ArtisTerror (Alemania), BewegGrund e Influxtanz (Suiza), Alicia Sánchez (México DF), además de algunos proyectos independientes. Y en su desarrollo como coreógrafo ha dirigido diferentes piezas: Mermelada de naranja amarga, Still, La Mirada, Azure, On Leash, Instalaciones I – Versiones sobre la fragilidad, 13 minutos, Cualquier Otro, Desenfocados, Inevitable, Sometimes I feel (the necessity to dance), ZOO y Artistas, una propuesta creada en 2010.

Con esta última pieza es que Antonio Quiles, se presentará en breve temporada – del 27 al 30 de octubre– en el Teatro de la Danza del Centro Cultural del Bosque, representada por el grupo ALTERACIONES Danza-Teatro, llevando como intérpretes a Katherine Castro, Sandra Gómez, Esperanza Sánchez y el propio Antonio.

ALTERACIONES Danza-Teatro, es un grupo chilango que surge a finales del año 2007 y en su estructura artística busca unir distintos lenguajes y disciplinas artísticas de una manera natural y orgánica. Los intereses creativos de la compañía son variados y eclécticos, nutriéndose con las experiencias y vivencias del material humano de cada proyecto. Su trabajo se centra en la investigación de nuevas dramaturgias, relación con el público y uso de una presencia honesta. Los temas que trata versan sobre el hecho escénico en sí y la propia esencia de éste.

“Artistas aborda lo que se tiene que llegar a hacer para conseguir sobresalir en una determinada disciplina y critica a los medios que llegan a utilizar los artistas para lograr la fama”, Sandra Gómez. Fotos: Pablo Benítez Florez

Para más información sobre ALTERACIONES Danza-Teatro, puede visitar: www.alteracionesdanzateatro.blogspot.co

Mi familia y yo muy puntuales nos presentamos ayer sábado 22 de octubre antes de las siete de la noche, hora en la cual dio inicio la presentación. La sala principal del teatro se llenó por completo, un público muy variado en cuanto a edades, pero con el mismo propósito: admirar un espectáculo de danza clásica, con una nueva reposición a cargo de la maestra Laura Echevarría, el cual se estrenó con la CND el 23 de septiembre de 2001 en el Palacio de Bellas Artes, por lo que regresa al mismo escenario diez años después.

Con los primeros acordes de la Orquesta Sinfónica Juvenil Carlos Chávez, la cual fue dirigida por el director huésped Alexai Bakna, quien ha sido galardonado como Artista de Ucrania, máximo nombramiento que se otorga en dicho país y con gran experiencia a nivel mundial, dio inicio el primero de los tres actos que forman este drama llevado a escena con música de Léon Minkus.

Con una escenografía espectacular y perfecta la cual en cada momento de la obra, se convirtió en un elemento fundamental para llevarnos de la mano con los bailarines por diferentes escenas de la historia y costumbres del pueblo Hindú, un cuento coreográfico que mezcla lo real con lo fantástico y narra la desventura de un amor imposible a causa de las convenciones de la tradición hindú y la rivalidad, con un trágico y mortal desenlace, elementos que permiten la construcción de un argumento especial y atractivo.

Nikiya, la Bayadera, representada por la bailarina Blanca Ríos (22 y 30 de octubre), quien alterna funciones con Aurora Vázquez (23 y 29 de octubre), se encuentra en el bosque sagrado junto al templo, lugar donde conoce a Solor, rico sultán y gran guerrero, personaje interpretado por Harold Quintero (22 y 30 de octubre) y por Daymel Sánchez (23 y 29 de octubre), al verse quedan enamorados.

En este sitio se realiza el festival del fuego donde Nikiya baila. Aquí se encuentra el gran Brahmán representado por José Luis González, el cual se enamora de la bella bailarina y le declara su amor, pero ella lo rechaza ya que espera la llegada de su amado Solor, quien al regresar de cacería la busca, se juran amor eterno, pero no se dan cuenta que son observados por el gran Brahmán quien al ver esto, jura vengarse.

Solor, el gran guerrero, viaja a el palacio del Rajá, personaje representado por Jasmany Hernández, quien le dice a Solor que el matrimonio con su hija Gamzatti, –Agustina Galizzi (22 y 30 de octubre) alternando funciones con Mayuko Nihei (23 y 29 de octubre)– debe de llevarse a cabo. Solor quien ama a la Bayadera pide que sea liberado del compromiso, pero el Rajá se niega y ordena que la boda se lleve a cabo.

El gran brahmán sabiendo esto, habla con el Rajá y le informa de la relación que tienen Nikiya y Solor, lo cual lo enfurece y le dice al Gran Brahmán que la Bayadera debe de morir, algo que no quiere el Gran Brahmán. Gamzatti escucha la historia y pide que Nikiya baile en su boda, cuando la Bayadera llega al palacio, la hija del Raja le muestra que ella es la prometida de Solor y le ofrece joyas para que se aleje de él, Nikiya quien lo ama de verdad se niega a dejarlo y en su desesperación amenaza con una daga a Gamzatti, quien desarma a la bailarina y la condena a morir.

Así, en el segundo acto de la obra, se realiza el festejo de la boda en el jardín del palacio, en el cual pudimos disfrutar de danzas de gran colorido y belleza realizadas por los amigos y amigas de los novios, representados por el cuerpo de baile de la CND, (y la participación destacada de la Compañía Nacional de Danza Folklórica dirigida por la maestra Nieves Paniagua), ante la presencia también del Gran Brahman, Rajá Dugmanta, Gamzatti, su esclava, Solor, Nikiya y varios sultanes, dentro de esta escena se pudo apreciar la partida del gran ídolo dorado quien bendice la unión y representado por Roberto Rodriguez (22, 23 y 30 de octubre) –alternado con Antón Joroshmanov (29 de octubre)– ofrece un solo espectacular.

Durante la celebración Nikiya realiza un baile en honor a los novios, al terminar la esclava de Gamzatti le ofrece una canasta de flores la cual tiene una serpiente venenosa que muerde a la Bayadera quien queda herida de muerte, el Gran Brahmán quiere salvarla y le ofrece un antídoto, pero Nikiya al haber perdido a su amado, prefiere morir.

Al pasar esto Solor, que en su habitación se lamenta, se recuesta en su diván y fuma opio, teniendo alucinaciones en las que ve a su amada Bayadera en el reino de las sombras, la cual con amor lo tranquiliza pidiéndole a Solor que no pierda la fe, que su amor tiene la bendición de los dioses y que ella estará bien en el reino de las sombras.

Al terminar La Bayadera, todo el teatro de Bellas Artes se puso de pie para aplaudir y reconocer el excelente trabajo de la CND y de esta representación que logro conmovernos a todos los presentes.

Un espectáculo de dos horas y media, el cual nos mantuvo realmente emocionados, música, vestuario y escenografía realizadas por Alexandre Vassilie, iluminan la coreografía de Caroline Llorca según el original de Marius Petipa, la cual requiere maestría y talento histriónico en la interpretación de solos y duetos.

Destreza, resistencia y unidad de conjunto en el cuerpo de baile y calidad interpretativa de los solistas, que con gran satisfacción para su directora, demuestran el difícil trabajo que conlleva cada una de las escenas en que participan.

La Bayadera, todavía se podrá disfrutar los días 29 y 30 de octubre en el Palacio de Bellas Artes, una historia que no hay que dejar de ver.