InterEscena El escenario en el ciberespacio

Durante este mes de marzo continúa con gran éxito una de las temporadas con más tradición del ámbito dancístico, Soliloquios y Diálogos Bailados 2010.

Concebido e impulsado por Isabel Beteta –directora de Nemian Danza Contemporánea–, desde hace más de 15 años este encuentro se ha consolidado con el paso del tiempo como un importante punto de contacto, reflexión e intercambio de concepciones estéticas.

Articulado gracias al esfuerzo y confianza que la maestra Beteta se ha ganado en el ámbito internacional, este ciclo permite estar en contacto con expresiones de grandes bailarines y prestigiados artistas escénicos del país y del extranjero.

La edicion 2010 de Soliloquios y Dialogos Bailados –que como año con año tiene como escenario el Centro Cultural Los Talleres– no ha sido la excepción, durante el pasado mes de febrero, Los Talleres albergó las propuestas de la alemana Aiga Kéller y mexicana Irene Martínez, directora del grupo Mandinga Mar.

En esta presentacion inaugural, Keller unió su talento en el escenario con Ina Burses y la propia Isabel Beteta, presentando el estreno de Hilando tiempo, coreografía resultado de un intercambio artístico entre México- Alemania, que habla de las relaciones azarosas entre los seres humanos.

En este mismo programa, la bailarina y coreógrafa Irene Martínez, estrenó Transiciones, obra con la cual explora la vida como una transición contínua de ideas y emociones, un trabajo acompañado por un paisaje sonoro realizado en vivo con sonidos de agua.

Posteriormente, en el segundo programa (19, 20 y 21 de febrero) se escenificaron tres miradas introspectivas: la uruguaya Paula Giuria presentó la pieza Una rata en la gala; después continuó Tiempo Tempo, de Alejandro Ruiz y para concluir el joven artista Carlos Rojas escenificó Aún estoy y Trebejos.

Con la presentación de 67 espectáculos de danza, teatro y poesía, creados por artistas iberoamericanos se presenta en la Ciudad de México, del 18 al 28 de febrero, el Festival Subterráneo de Artes Escénicas, un evento dedicado a difundir en espacios alternativos propuestas de creadores Iberoamericanos con trayectoria consolidada. Así como jóvenes creadores que inician su carrera profesional y un punto de reflexión sobre la mujer, el arte y la sociedad.

Un lugar de encuentro que ha sido conceptuado para llevarse a cabo en un espacio que altere la rutina, una espectativa artística que pretende utilizar como escenario diferentes estaciones del sistema de transporte colectivo Metro.

El Festival se realiza gracias al Programa de Apoyo de Redes, Festivales y Espacios Escénicos de Iberescena; así como al apoyo del Instituto Nacional de Bellas Artes, el Centro Cultural Los Talleres, a la Coordinación de Extensión Universitaria y Sección de Actividades Culturales de la UAM Iztapalapa, al Sistema de Transporte Colectivo Metro, a la Fundación Pascual, a la Dirección de Danza de la UNAM y a la Compañía de Arte Escénico Athos.

En el Festival Subterráneo de Artes Escénicas los usuarios del Metro encuentran la inquietud de acercarse a las artes escénicas en sus diferentes manifestaciones. Un acceso a una manera diferente de perturbar los sentidos y la percepción en la conciencia cultural del individuo.

Bajo el lema “danza japonesa, tradición y creatividad” la compañía de danza Kikunokai se presentó el pasado sábado 20 de febrero en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris. Para celebrar los 400 años de amistad entre Japón y México se preparó un programa muy variado de baile Kabuki y comedia japonesa, creado por Michiyo Hata.

Sobre este significativo evento, Masaaki Onu, embajador de Japón en México, comentó: “Kikunokai presenta una danza japonesa original que conserva su rasgo tradicional, combinado con un toque de creatividad que permite adaptarse a la época actual”.

El espectáculo consistió de 15 piezas individuales, divididos en dos partes. La primera parte empezó con un segmento de la pieza KOTOBUKI KIKU SANBA-SO, una canción apropiada para representar la celebración conmemorativa.

Luego se bailó “la danza de los leones“, SHAKKYO, una pieza típica de la danza clásica japonesa representando una leyenda sobre el rey de la jungla y su(s) cachorro(s). Leones con vestidos colorados y melena roja y blanca dominaron el escenario bailando con la belleza y elegancia que caracteriza al arte oriental.

Desde Noruega, Fredrik Lorentzen presenta obra coreográfica que busca respuestas…

Oscuridad, tensión, paranoia y frustración, todo dentro de una fábrica abandonada. Tres individuos atrapados física y emocionalmente, respirando el vacío que dejó una sociedad convertida al culto del consumismo y que está inmersa en la búsqueda de lo estético. El miedo a lo desconocido los llevará a crear una vida paralela en sus mentes debido a la falta de humanidad en el ambiente.

¿Entonces Qué? No hay más es una pieza escrita y dirigida por el bailarín y director noruego Fredrik Lorentzen, estrenada en su país natal en diciembre del 2008. Una coreografía que retrata la búsqueda del ser humano por encontrar un lugar en el mundo.

“Tal vez sea difícil explicarlo con un baile, pero intenté meter toda esa ideología en un paquete y esa es la pieza. Todo en la coreografía es personal porque todo lo que hago viene de experiencias personales, por lo que no puede ser objetivo, todo es subjetivo. La pieza es mi manera de ver las cosas, es mi versión” Fredrik Lorentzen.

“Estamos en mitad de la catástrofe. La nave se hunde. Es momento de arrojar todo lo innecesario y prepararse para entrar en una ilusión que polariza nuestras ambiciones, nuestros sueños, nuestras ideas. Lo negro se vuelve más negro. La luz es más brillante. El resentimiento y la traición encuentran motivos; los sentimientos amorosos y solidarios enfrentan pruebas. La libertad no llega sin trabajos. Las máscaras han caído. La ilusión acaba; la magia termina. Sólo queda el largo, contingente y real camino a casa”.

En 1611 William Shakespeare escribió y estrenó su última obra la Tempestad (del inglés: The Tempest). Hoy, 399 años después, el Instituto Nacional de Bellas Artes, a través de la Coordinación Nacional de Teatro, la Coordinación Nacional de danza, Realizando Ideas A.C. y La Maquina de Teatro, nos presentan una versión contemporánea de esta obra shakesperiana llevada a escena por el coreógrafo y dramaturgista Natsu Nakajima.

Como un espacio de encuentro multicultural, la Temporada Danza del Mundo reúne cuatro exponentes que promueven el movimiento como un lenguaje de aprendizaje, convivencia e intercambio. Una propuesta que tiene como objetivo poner de manifiesto las raíces culturales que tenemos en común con otros pueblos a través de manifestaciones artísticas como la danza y la música.

El ciclo comprende cuatro programas representados por el Grupo Sonapa, Longe do Mar, Ensamble de Danzas Clásicas de la India y la compañía Intimo Tango.

Una visión particular que celebra el origen ritual de la India, el folclor místico de la tradición tailandesa, el amor a la libertad de los esclavos africanos en las colonias portuguesas del Nuevo Mundo y el dramatismo y pasión del tango.

Como cada año, el Bosque de Chapultepec es el marco perfecto para la recreación de uno de los ballets más bellos y tradicionales del repertorio universal, El Lago de los Cisnes de la Compañía Nacional de Danza (CND), que inicia su XXXIV Temporada, el próximo 27 de febrero.

Hablar de clásicos en danza nos obliga a mencionar éste que sin duda es de los más representados y famosos del mundo. Una combinación perfecta entre la maravillosa y emotiva música de Piotr Ilich Tchaikovsky y la coreografía de Lev Ivanov en mancuerna con Marius Petipa sumadas a una historia de amor donde la intriga, la venganza y, por supuesto, un príncipe, logran un extraordinario cuento que explora las emociones humanas para hacer gozar al público de todas las edades.

El personaje consentido de esta puesta es –sin duda– el príncipe Sigfrido, interpretado desde hace una década por el primer bailarín Raúl Fernández, quien habla para InterEscena sobre cómo ha vivido –en ésta su última actuación de El Lago, ya que ya que durante 2010 dice adiós como primer bailarín de la CND– los retos que implica representar una coreografía de estas características al aire libre y conjuntamente con la producción cómo ha evolucionado artísticamente.

A Poc A Poc es hoy una de las compañías con mayor presencia dentro del panorama dancístico de nuestro país, presentándose en festivales internacionales y en los foros de mayor proyección en México tales como el Palacio de Bellas Artes, la sala Miguel Covarrubias, el Teatro Degollado, Teatro de la Paz, el Teatro de la Ciudad de Monterrey y el Centro Nacional de las Artes, por mencionar algunos.

A Poc A Poc nació en Barcelona en 1994 bajo el signo de la globalización. Las razones son suficientes. Fue seleccionada para integrar el mercado de las artes escénicas de la Association of Performing Arts Presenters de Nueva York; participó en las tres ediciones de Puerta de las Américas, programa que tuvo en la mira exponer a las compañías mexicanas al mundo.

En 2005 estuvo en Jacob’s Pillow, el festival más antiguo y uno de los más importantes de Estados Unidos así como en el Festival de las Humanidades en Puerto Rico, el Festival Internacional de las Artes de Mérida, el Festival Internacional de Danza Contmporánea Lila López en San Luis Potosí, el Festival Internacional de Puebla, y el festival Caliendanza en Cali, Colombia así como en el Festival Internacional Cervantino y el Festival EXCHANGE en Alcobaza, Portugal.

Con Migrantes Errantes, Alicia Sánchez y Compañía / El Teatro de Movimiento llevan la danza a intervenir en un espacio poco convencional como lo es un trolebús.

La danza como disciplina corporal pareciera estar delimitada a una forma de dialogo sutil y delicado, pero ¿qué pasa cuando este lenguaje se transmite de forma audaz y violenta sin perder la poesía trastocando otras formas de expresión escénicas?

Este es el resultado de Migrantes Errantes, una propuesta de danza-teatro que narra a través de distintas viñetas las historias de quienes se aventuran a migrar hacia “el otro lado”.

“Este es un espectáculo que nos conduce por diferentes caminos y reflexiones escénicas, testimonios y arte sonoro acerca de un tema que nos toca muy de cerca, nos invita a vivir una experiencia completa, abordando diferentes formas de relación con el espectador”, explica Alicia Sánchez, creadora de este concepto.

Anunciada la salida (o el inicio) por parte de un “pollero”, varios viajantes se dan cita en el Trolebús Escénico de la Condesa. Desde la primera llamada, público y elenco se confunden y entremezclan. Así el espectador se ve de pronto listo (con garrafón de agua incluido) para emprender la partida rumbo a la frontera por el inclemente desierto.

En diciembre llega la Navidad y las usanzas que cada fin de año no pueden faltar; una de las bellas tradiciones para estas fechas es ver los espectáculos que se presentan en los diferentes escenarios que hay en la capital. Por antonomasia uno de estos eventos es el ballet El Cascanueces, que cada año lleva a escena la Compañía Nacional de Danza (CND) en el Auditorio Nacional.

Un clásico con música en vivo a cargo de la Orquesta del Teatro de Bellas Artes, con la dirección de Tadeusz Wojciechowski, en la interpretación de la obra del compositor de origen ruso, Piotr I. Tchaikovsky y la coreografía de Nina Novak, sobre el original de Lev Ivanov.

El libreto es de Marius Petipa, basado en la versión que hizo Alexandre Dumas, del cuento original del alemán Ernst T.A. Hoffman (El Cascanueces y el Rey de los ratones).