InterEscena El escenario en el ciberespacio

Cuerpo y mente. Una complicidad apasionante que desde el origen le ha otorgado integridad al ser humano. Sin embargo, en los últimos tiempos se ha ido desvaneciendo frente a un panorama mundial cada vez más avanzado, absorbido por la tecnología.

Este pensamiento es resultado de un intenso ejercicio de introspección realizado por la destacada coreógrafa Tania Pérez-Salas quien, acostumbrada a expresar sus pasiones, sus emociones en torno al universo a través del lenguaje dancístico, creó la pieza Ex−stasis, una provocación en movimiento para conectar el cuerpo y la mente.

La coreografía podrá apreciarse del 26 al 29 de agosto en el Teatro Raúl Flores Canelo del Centro Nacional de las Artes (CENART). Un espacio emblemático para el arte del cuerpo en movimiento que, en esta ocasión, será tomado por asalto por 13 bailarines convocados de distintas naciones del mundo, tales como Japón, Francia, Italia, Ucrania, Estados Unidos y México.

Como todas las propuestas de la autoría de Pérez-Salas, Ex−stasis promete una experiencia estética sublime, ya que la coreografía está enriquecida con todos esos elementos que han hecho de su autora una de las máximas exponentes de la danza contemporánea mexicana. Ha sido ella quien le ha devuelto, como pocos, la pasión a la danza, además de una interpretación y propuesta escenográfica de alto nivel.

Tania comenta que muchos fueron los detonadores de Ex−stasis. Sin embargo, hay uno en especial que la hizo reflexionar sobre ese abismo cada vez más grande que hay entre el cuerpo y la mente: una visita a un centro de entrenamiento corporal.

Comprometido con un sentido de apertura y difusión a propuestas que busquen la evolución de las artes escénicas este mes el recién intervenido Museo Universitario del Chopo presenta Silencio a voces, danza contemporánea que aborda el tema del abuso sexual a través de un discurso estético que indaga sobre las emociones y sensaciones que proyectan la experiencia del individuo.

Este proyecto coreográfico nace en el marco del V Festival de Intercambio Internacional Müuval (2010), iniciativa que busca abrir un espacio para el intercambio de propuestas sobre la danza contemporánea emergente, fortaleciendo los lazos de cooperación nacional e internacional.

La experiencia de interacción con otras disciplinas ha sido espontánea en este encuentro que ha convocado por igual a músicos, artistas visuales, diseñadores gráficos, arquitectos y escenógrafos, quienes voluntariamente se han acercado al proyecto para integrar su propuesta. Por ello, los organizadores han determinado destinar la quinta emisión del Festival a la interdisciplina: danza, arquitectura y música.

Mitrovica Danza Contemporánea presenta Ambiente familiar los días 13, 14 y 15 de agosto en el Centro Cultural Los Talleres (Francisco Sosa 29, Coyoacán).

Una ventana en movimiento se abre de par en par ante el espectador para que, sin censura alguna, se sumerja en el universo familiar y lo visualice como un laboratorio donde se construyen y reconstruyen distintas personalidades que hacen crecer a los seres humanos.

Tal es la propuesta de la bailarina y coreógrafa Andrea Chirinos planteada en la coreografía Ambiente familiar, que este fin de semana abre la temporada Post…post, un proyecto encaminado a mostrar aquellos trabajos basados en la exploración y la experimentación, donde el video, la instalación y el paisaje sonoro cobran gran relevancia.

Chirinos, directora de Mitrovica Danza Contemporánea –grupo que interpretará su coreografía-, comparte los pormenores de esta obra que viene a enriquecer el repertorio de la compañía, la cual se ha caracterizado por pulir el lenguaje corporal desde su origen en Nueva York en 1998.

La coreógrafa relata que dos son los interés primordiales que la llevaron a abordar dicha temática. Uno es la posibilidad de desarrollar diversos lenguajes corporales en escena, partiendo de las relaciones interpersonales que se dan entre los miembros de una familia; para ello se basó en el texto El gesto japonés, que da cuenta del lenguaje de señas.

Con el propósito de ofrecer a los coreógrafos emergentes del país la posibilidad de dar a conocer sus obras, el pasado mes de febrero el Instituto Nacional de Bellas Artes lanzó la Primera Convocatoria Nacional de Danza Ópera Prima.

Dirigida a coreógrafos mexicanos o extranjeros, este emplazamiento contempló dos categorías, la primera estuvo dirigida para aquellos que no han presentado públicamente ninguna propuesta coreográfica, la segunda para quienes han mostrado ante el público hasta tres coreografías en los últimos dos años.

Después de una selección de 90 proyectos provenientes de varios estados de la República Mexicana, el jurado integrado por Cora Flores, Ruby Tagle y Mariana Arteaga, eligió los trabajos de las coreógrafas Anabella Pareja, Talya Sato, Nora Rodríguez-Arely Delgado, Patricia Marín Escutia, Daniela Vázquez y Diane Eden Ormsby para ser presentados –los días 5, 6, 7 y 8 de agosto–, en un breve ciclo que se lleva a cabo en el Teatro de la Danza del Centro Cultural del Bosque.

Anabella Pareja, quien presenta la obra Las cosas no son (sino) lo que son (primera parte) es una intérprete con estudios de técnica, improvisación y composición con diferentes coreógrafos de México, Madrid y Buenos Aires. Complementó sus estudios con teatro, yoga, pilates y guión cinematográfico.

Diversas formas escénicas han derrumbado las posibles barreras entre ellas para fusionarse y sumergirnos, a través de un montaje vanguardista, en el apasionante mundo del tango.

Tal es el propósito del espectáculo Go Tango Milonguero, creación del destacado bailarín y coreógrafo Alberto de León que, cautivado por la fuerza escénica de este género dancístico, decidió crear un montaje donde fusiona el tango con otras disciplinas, provocando una experiencia totalmente innovadora.

Será el próximo jueves 5 de agosto cuando las puertas del Lunario del Auditorio Nacional se abran para que el espectador tenga la posibilidad de apreciar un montaje donde el tango dialogará, como pocas veces ocurre en los escenarios, con la danza clásica, la danza contemporánea, el teatro físico y la música, que estará a cargo de la orquesta Los Pibes.

Más que un acercamiento al tango tradicional, se trata de una opción renovadora que exalta las raíces, la historia, la pasión que hay detrás de este género dancístico que durante muchos años ha cautivado al público. Es un montaje conformado por cuadros donde se va mostrando la evolución de dicha danza.

De León, cuya vasta experiencia dentro de los géneros contemporáneo y clásico le da un lugar privilegiado dentro del gremio nacional, cuenta que fue una decepción amorosa la que, paradójicamente, lo motivó a involucrarse con el tango desde 2008, cuando creó El abrazo…de la milonga al cabaret.

“Te confieso que una decepción amorosa muy fuerte me llevó al tango. Ella bailaba tango. Creo que lo mejor que me dejó fue esta danza, que me abrió otro universo, donde hay códigos, historias, personajes”, Alberto de León.

A diferencia de su primer montaje de tango, Go Tango Milonguero surge como una necesidad de compartir con el público la esencia de esta danza. Se trata de un trabajo que busca cautivar a todo tipo de espectador, tanto a los amantes del tango, como a los neófitos del tema.

La introducción de la multimedia y su adjudicación a un proyecto por el simple hecho de usar una proyección de video –no en todos lo casos de manera exitosa– ha puesto en la mesa de discusión el verdadero valor de esta “herramienta”.

La inclusión de las nuevas tecnologías en el terreno de las artes escénicas es la revolución que ha transformado la concepción que teníamos de las disciplinas artísticas.

Es de suponer que a estas alturas, mas de uno nos hemos sentido decepcionados al presenciar un espectáculo, cuyo mayor atractivo se enarbola como “propuesta multimedia” y que en la mayoría de los casos resulta ser, solo una proyección mal hecha, sin asesoramiento o una inclusión gratuita de video que no enriquece para nada al discurso o narrativa escénica.

Y es que no todos son Robert Lepage o La fura dels Baus, quienes el año pasado en su visita a nuestro país nos dieron dos excelentes muestras del uso de la multimedia al servicio del teatro en las producciones Proyecto Andersen y Boris Godunov, respectivamente.

Hablando de danza nacional, existen excepciones que –afortunadamente– confirman la regla. Mitrovica Danza Contemporánea de Andrea Chirinos, Musse Danza de Abigaíl Jara y Realizando Ideas de Jessica Sandoval, son tres claros ejemplos de que puede hacerse danza lúdica e imaginativa a través del uso de las llamadas nuevas tecnologías.

Artista multidisciplinario y un amante de la danza que en su ejercicio logra transmitir pasión y gusto, Duane Cochran, fundador y director de la compañía Aksenti Danza Contemporánea se lanza de nueva cuenta al escenario con un estreno que enriquece su propuesta estética.

La casa de Betty, título de este nuevo proyecto inspirado en la pintura homónima del artista Rafael Zamarripa, es un trabajo que expresa la amalgama de emociones plasmadas en la obra plástica para emularlas a través de una estética abstracta donde se desenvuelven distintos protagonistas.

Con motivo de este trabajo que se presentará este mes en el Teatro de la Danza, InterEscena habló con el coreógrafo sobre las características de esta nueva producción.

¿Qué representa el estreno de La casa de Betty para ti y la compañía?
D.C: Esta propuesta me surgió como proyecto desde hace siete años, así que representa el final de un largo proyecto de gestación, evolución y la unión del esfuerzo y talento de todo un equipo creativo, involucrado a fondo con la propuesta. Hoy se concreta gracias al apoyo de FONCA, INBA y Consecuencias Publicitarias. En ella abordé el trabajo de una manera muy diferente a la que normalmente acostumbro”.

Decenas de cuerpos en movimiento se ponen al servicio de la historia para que el espectador, a través del arte sublime de la danza jazz, se reencuentre con su pasado, sus raíces, su identidad nacional.

Tal experiencia es provocada por el espectáculo La llorona en el tiempo, una creación original de Ema Pulido, una de las coreógrafas más innovadoras del panorama escénico mexicano, talento que le ha valido, entre otros reconocimientos, la medalla “Una vida dedicada a la danza” y el Premio Guillermina Bravo, privilegios de pocos.

Será durante el mes de septiembre próximo cuando integrantes de su escuela, el prestigiado Estudio Profesional de Danza Ema Pulido, sumerjan al público en un singular viaje donde el pasado y presente convivirán para recordar nuestros orígenes y nuestra evolución así como el valor del presente histórico.

Por medio de cuatro etapas claves en la historia de nuestro país (sobresaliendo La Conquista), la coreógrafa –apoyada por Mariannela Cataño y Ricardo Cossío-, creó una pieza donde plasma su admiración por México, misma que busca contagiar a los espectadores, quienes serán cautivados por el arte del cuerpo en movimiento de alrededor de sesenta intérpretes con alto nivel técnico y con gran proyección emotiva.

El proyecto Salas de Urgencia, en su quinta edición, presenta: Rebanadas de vida y Wakaranai II (no entiendo nada).

En un ambiente por demás ameno, de camaradería y hasta de cierta complicidad, quizás porque los presentes saben lo que de esta presentación se puede esperar, se llevó a cabo la quinta edición del proyecto Salas de Urgencia, programa de intervención escénica a espacios no convencionales en las artes escénicas.

Salas de Urgencia es un propuesta cuya idea es buscar cualquier espacio ya sea una casa, un taller, una oficina o un foro para intervenirlo escénicamente a fin de generar nuevos espectadores a partir de la cooperación que ofrece este modelo, para que conozcan las artes escénicas en nuestro país.

Con este patron de proyectos escénicos, que se realizan en colaboración con la Secretaría de Cultura, no sólo se incursiona en un nuevo concepto teatral, sino que se rompe con el esquema de la rutina y hasta con la costumbre de ver el mundo a través de la televisión, que anula el sentido de abstracción del teatro, señaló el director Alfonso Cárcamo, creador con Luis Ayhllón de la idea Salas de Urgencia.

“La danza me permite reconocerme y renovarme como intérprete, creador y docente, ya que cada vez que me subo al escenario me descubro como un ser desnudo, pleno y completo”, Roberto Robles.

Como uno de los principales protagonista del proceso coreográfico, Roberto Robles ha experimentado la escena nacional en todas sus vertientes. Una trayectoria que lo ha llevado desde su formación artística en el Cico (Centro de Investigación Coreográfica, 1984-89) –perfeccionando sus estudios en el Broadway Dance Center y el Step Dance Studio de Nueva York; en el American Dance Frestival en North Carolina; y en el Roc in Lichen de París–, a ser participe de los escenarios nacionales colaborando en temporadas y giras con compañías como Aksenti, Ballet Teatro del Espacio, Ballet Independiente, Delfos, Antares, U.X. Onodanza, Utopía, Quiatora Monorriel, Mnemosine y Bajo Luz.

También se desarrollo en el extranjero, como bailarín invitado con la misma Roc in Lichen y la Compañía Wullie Corner (Viena), y en festivales como Expo Lisboa 98, Les Hivernales d´Auvignon (Francia), Latin American Tanz 96 (Alemania), American Dance Festival 92 y en la comedia musical Ciudad Blanca en 2006.

En su recorrido como coreógrafo ha sido invitado por el Ballet Independiente, Aksenti, Nemian y Tierra Independiente para crear nuevas propuestas ecénicas. En los años 2002 a 2004 fue comisionado como director y coreógrafo del grupo profesional de danza de la Universidad de Baja California Sur, Paralelo 32. Y en 2006 realizó una coreografía especial para la película “Lady’s night” bajo la coordinación de la maestra Ema Pulido.

“Considero que en la creación coreográfica ahora está de moda el fenómeno conceptual, poco movimiento y bombardeo de imágenes, me gustaría pensar que en esta época el creador tiene que ser mas honesto con su trabajo y no estar preocupado por innovar o estar a la vanguardia. El artista debe priorizar la honestidad con su obra y con el público”, Roberto Robles.