Esta historia, concebida en 1934 por la escritora y periodista australiana Pamela Lyndon Travers y en 1964 llevada al cine por Disney, es sorprendente porque toca un tema que realmente es muy actual: la desintegración familiar por falta de tiempo, pero como buena obra triple AAA ofrece la esperanza de que con amor todo puede revertirse, esto es lo que Mary Poppins con su encanto y magia logra con la Familia Banks, una familia inglesa de principios del siglo pasado.

En un principio pensé que podría ser difícil para mi hija pequeña estar atenta, ya que la puesta en escena está en su idioma original, inglés, tal como es la presentación que se realiza en Broadway, pero esto no fue ningún impedimento para que mi pequeña y los demás chiquillos –de todas las edades– disfrutaran cada uno de los números musicales, ya que cada una de las canciones estaban subtituladas en las enormes pantallas que están en las laterales del escenario.

Fue toda una experiencia, que particularmene, me encantó ver como desde gente mayor hasta los más pequeños cantaban junto con Mary Poppins. Chim Chim Cher, Con un poco de azúcar y Supercalifragilisticoespiralidoso, las canciones más coreadas por todos los que estábamos ahí.

Mary Poppins “El Musical de Broadway”, una co-producción de Disney y Cameron Mackintosh, se estrenó en Broadway el 16 de noviembre de 2006. La obra, presenta la música ganadora del Oscar de Richard M. Sherman y Robert B. Sherman. La producción escénica ha sido creada, en colaboración con Cameron Mackintosh, por el guionista ganador del Oscar Julian Fellowes y el equipo ganador del premio Olivier, George Stiles y Anthony Drewe, quienes han compuesto nuevas canciones, letras y música adicionales.

El director, ganador del premio Olivier, Richard Eyre está a cargo del premiado equipo creativo, en co-dirección y con la coreografía del ganador del premio Tony y Olivier, Matthew Bourne. ¡Qué decir del vestuario, la iluminación y los efectos especiales que nos sorprendieron y emocionaron! Sobre todo cuando Mary Poppins vuela sobre el escenario o bien Bert camina por las paredes. El diseño de escenario y vestuario es del ganador del Tony Bob Crowley, co-coreografía del ganador del premio Olivier, Stephen Mear, diseño de luces de Howard Harrison y la orquestración de William David Brohn.

Fue así, que por más de dos horas, que pasaron sin sentirlas durante los dos actos que conforman la historia, disfrutamos de los 26 números musicales, de la actuación de Megan Osterhaus, quien interpreta a Mary Poppins, acompañada por un elenco de excelentes actores que dan vida a los personajes principales y una compañía integrada por maravillosos bailarines que lograron que todos los espectadores coreáramos las canciones y acompañáramos con las palmas las perfectas coreografías.

Con los acordes de la estupenda orquesta en vivo, comenzó Berl –el famoso deshollinador de chimeneas de Londres y narrador de la historia– presentándonos a los principales personajes: la familia Banks formada por la Señora Winifred y el Señor George, sus dos hijos pequeños, Jane y Michael, una familia desunida por la falta de tiempo y muestras de cariño entre ellos.

Las nanas que llegan a esa casa no resisten mucho tiempo ya que los niños hacen todo lo posible para que se vayan, hasta que llega una niñera muy especial: Mary Poppins. Durante esas dos horas, nos volvimos testigos de cómo esta niñera tan especial logra lo que los Banks creían imposible: tener comprensión y amor entre ellos, entendiendo que lo más importante que hay es la familia, más imprescindible que un gran puesto o un reconocimiento social.

Mary Poppins, con su encanto y magia es capaz de crear en el escenario del Auditorio un ambiente de unión y armonía familiar entreñable que nos hace recordar aquellos momentos cuando hemos disfrutado a los nuestros, momentos que aún sin cámara fotográfica han quedado grabados en nuestro corazón.

Un personaje clave en la obra es la escenografía y el movimiento de escena, y es que en cuestión de segundos pasamos de estar dentro de la casa de los Banks al parque, donde las estatuas cobran vida y bailan junto con Mary Poppins y los niños a sentir una gran emoción por ver volar una cometa y después llegar al banco donde el serio y rígido Señor Banks trabaja y, en un instante disfrutar de una noche estrellada en los techos de la ciudad donde los deshollinadores realizan uno de los bailes más ovacionados de la obra.

Mary Poppins “El Musical de Broadway” es un musical para chicos y grandes realmente inolvidable, que no hay que dejar de ver, con estupendos cantantes y bailarines, con un bello mensaje que toda la familia podrá disfrutar hasta el 5 de febrero en el Auditorio Nacional… No dejen pasar la oportunidad de ser parte de esta megaproducción que nos recuerda que lo más importante lo tenemos ya en casa. Fotos Fernando Moguel.

En los últimos años, 31 Minutos ha sido una de las series más exitosas en la televisión, desde su aparición en el 2003 en la Televisión Nacional de Chile (TNC), además de haber triunfado en varias ciudades de América Latina y España, sin olvidar México que se transmite desde mediados de 2006 a través de la barra infantil de Once TV México.

Un programa fino, con gran sentido del humor que conlleva mucho talento, donde hemos podido conocer las excentridades de Tulio Triviño, los reportajes de Juan Carlos Bodoque, la seriedad y el profesionalismo de Patana Tufilio y la obsesión laboral (trabajólico) de Juanín Juan Harry, el último de los guanines.

Si me llegué a reír con las ocurrencias en televisión, ahora en el teatro las risas se multiplican, y es que esta propuesta traída a México por Mueca Producciones que ya ha probado las mieles del éxito en la escena teatral del sur del Continente, cuenta la historia del regreso a la televisión de Tulio Treviño para conducir el programa de talentos más importantes de Titirilquén, Titirilahue, Titiritalca y sus alrededores, con el solo propósito de rescatar del olvido a grandes intérpretes musicales y con esto regresarlos a la fama.

El espectáculo con mucha ironía busca al artista pasado de moda para darle la oportunidad de ¡volver a estar de moda! Qué locos, no creen. Si realmente locos, porque este texto nos presenta a un simpático jurado integrado por Bodoque, Patana y Guaripolo, que con su sabiduría en la materia califican a los artistas que alguna vez saborearon el éxito y estuvieron en el ranking top de 31 Minutos –nombre que parodia a 60 minutos, noticiero de TVN en los años 1980–.

Así en el escenario del Foro Shakespeare, vemos a los artistas desfilar, entre ellos a Chascoberto con su éxito Me cortaron mal el pelo; y como Flor Bovina nunca llega al espectáculo, Juanín nos muestra sus dotes de cantante e interpreta Mi muñeca me habló; Freddy Turbina hace lo suyo con Equilibrio Espiritual; John Quijada nos deleita con la dulce canción Diente blanco no te vayas; y para mover el esqueleto los Latidos Latinos Urbanos Emergentes Hip Hop Hermanos Brother cantan Bailan sin César.

31 Minutos, resucitando una estrella es una obra para fans de la serie y también para quien aun no conociéndolo quiere ver una opción diferente e inteligente… ¿Vas a dejar pasar la oportunidad de ver la serie más inteligente y divertida de los últimos años? Yo ya fui y de verdad me divertií, así que les sugiero que aparten sus lugares porque el Foro Shakespeare –que lo presentará todo enero y problamente durante varios meses del 2012–, no es tan grande, y desde que lo estrenaron el pasado diciembre están con teatro lleno y no vaya a ser que no encuentres una sóla butaca disponible.

“La oportunidad de ofrecer teatro infantil en México me resulta muy emocionante, teatro que se puede compartir entre padres e hijos. Hacen falta espacios y actividades diseñadas para acercar de forma divertida e inteligente a los niños con la cultura, sembrar en ellos el amor por el teatro y los títeres es algo con lo que he soñado siempre y 31 minutos es el primer proyecto que hacemos en este tenor”, Diego Luna, productor.

En esta nueva Temporada Galas de Invierno 2011, el Circo Atayde Hermanos trae un espectáculo que está mejor que nunca. ¿Qué vamos a ver? En primer lugar te sorprenderá la destreza y elegancia de Marcus, quien en una proeza hacer danzar más de 100 aros en evoluciones cada vez más complejas. También te sorprenderas con la belleza de Tania Cervantes, que se presenta por primera vez en nuestro país, con un acto aéreo de cuerdas con el que ha triunfado en Francia, Bélgica, España y Canadá y que te pondrá los pelos de punta.

También te asombrará Candy, la jirafa sabia, y sus habilidades lectoras. The Black Angel, una extraordinaria tradición acrobática que se manifiesta incluso en sus danzas rituales, que te dejarán perplejo cuando tracen en un mástil doble complejas figuras corporales e increíbles pirámides humanas a ritmo de las percusiones; y verás la belleza de unos briosos caballos palominos en un gran acto del circo clásico bajo la dirección de Alberto y Celeste Atayde.

Por si esto fuera poco, hay un emocionante acto de equilibrio sobre un alambre tenso a gran altura, que te dejará con el ojo cuadrado cuando ante tí aparezcan los juegos y malabares de Guiming Meng, quien nos presenta un extraordinaria demostración de malabarismo con jarrones a la manera de la más alta escuela china.

Y que dijiste, ¿y dónde quedaron los payasos? pues bueno, sólo hay uno y es muy bueno, se llama Pitillo Jr y es un excéntrico payaso peruano, quien con chispa e ingenio hace reír, porque como él mismo dice es uno de los máximos exponentes de la comicidad circense en toda América Latina.

Así que ya sabes, si quieres divertirte y admirarte con todos artistas que conforman las Galas de Invierno 2011 del Circo Atayde Hermanos te recuerdo que las funciones son hasta el 1 de enero de 2012 en la Carpa Astros (Calzada de Tlalpan 855, en el metro Villa de Cortes).

Circo Atayde, un espectáculo donde los personajes son la magia, la danza, la música, la acrobacia y por supuesto la risa, la sorpresa y un total desafío a las leyes de la lógica y de la física…

En estas fiestas de fin de año lo mejor que podemos hacer es dejarnos sorprender una vez más por el rey de todos los espectáculos, su majestad el circo. ¿Estas seguro de no querer ir a verlo?

La función da inicio con el cuento Tubby la tuba, un texto original de Paul Tripa que narra la relación de una tímida tuba y un sapo. Una tuba gordita que se lamenta ya que mientras todos los instrumentos tienen melodías muy bellas a su cargo, ella solo se limita a hacer umpa, umpa, umpa. Tubby cuenta sus problemas a su amigo Pippo el píccolo y sufre la burla de todos los instrumentos cuando intenta bailar con la señora melodía.

Es un cuento que ayuda a conocer los sonidos de cada instrumento que integran una orquesta y entrar en contacto con el gran repertorio sinfónico. Una narrativa sencilla, inteligente y ocurrente donde el papel de los instrumentos de viento, los metales y los de madera, es explicado para el conocimiento y entendimiento de los espectadores. La pieza que musicaliza la narración es una grabación sobre el original de George Kleinsinger interpretada por la Orquesta Sinfónica Nacional, bajo la batuta de Enrique Arturo Diemeke.

Después de un breve intermedio le sigue ¿Conoces a Wolfi? En esta parte, el talento de cuatro niños músicos llena el escenario para iniciar el relato que nos habla del genio de Salzburgo, Wolfgang Amadeus Mozart; un piano y dos violines son ejecutados por cuatro solistas que evocan la edad en la que el gran músico austriáco se inició en la composición de sus obras musicales, los intérpretes son Santiago y Emilio Tailleferd Caso, piano; Felipe de Jesús González Meza y Rosita Moncayo Kinney, violín. Alumnos de las maestras Luisa Cabanillas y Yuriko Kuronuma, respectivamente.

El texto nos lleva por un viaje a través del tiempo, la Europa del siglo XVIII, en el castillo de la emperatriz María Teresa, donde el pequeño Mozart junto con su hermana Nannerl, dejó constancia del temple que desde su temprana edad, maravilló al mundo. Muñecos y títeres ilustran los cuentos, un magnífico recurso artístico que complementa el espectáculo.

“Es mi deseo inspirar a los pequeños demostrando que el fenómeno Mozart no es privativo de la Viena del siglo XVIII, sino que en México, con talento y dedicación, nuestros jóvenes desarrollan también sus capacidades creativas a un grado sorprendente. Asimismo pretendo satisfacer la necesidad del niño por la fantasía, por soñar despierto y a la vez sembrar en el oído del incipiente melómano las más exquisitas propuestas musicales”, Mario Iván Martínez.

¿Conoces a Wolfi? es una obra que cuenta con una excelente producción y un vestuario bien cuidado, sobre todo en la segunda parte, que refleja fielmente la época que sitúa la historia. En ésta, el talento de Mario Iván Martínez demuestra el oficio que su formación artística le permite y el compromiso de este actor por llevar calidad a los nacientes espectadores tan fundamental en la formación de nuevos públicos.

La música y los cuentos: Tubby la tuba y ¿Conoces a Wolfi? se presenta los domingos a una de la tarde, hasta el 18 de diciembre en el Teatro Helénico del Centro Cultural Helénico. Una buena alternativa para acercar y entender la música que apela al intelecto de los niños, sin la parafernalia publicitaria o los reflectores de la prensa de espectáculos; dos excelentes producciones que atienden a las necesidades de la educación temprana y contribuyen a la formación del buen espectador.

No hay que olvidarse que es necesario llevar a los infantes a ver buenos espectáculos y tratar de quitarlos de frente al televisor y con esto apelar a que mañana, menos sea el promedio de ciudadanos que se encontrarán en las filas de la delincuencia.

Una pizpireta catarina, un mosquito enamorado y un escarabajo mandón comandan la invasión de simpáticos insectos que vive nuestra ciudad desde el pasado 30 de octubre en la Carpa Santa Fe.

Hormigas acróbatas, arañas contorsionistas, mariposas voladoras, escarabajos que desafían las leyes de gravedad, salamandras circenses, lagartijas y grillos han llegado para hacer que la fantasía de grandes y pequeños se lance en un maravilloso viaje orgánico mostrando otra cara de la naturaleza en el nuevo espectáculo del Cirque du Soleil, OVO.

Pero, ¿qué es OVO? –literalmente significa huevo en portugués–, empero, a ciencia cierta no tenemos respuesta a esta pregunta, pero si nos fijamos en lo que dice el programa, OVO es el eterno símbolo del ciclo de vida y nacimiento de numerosos insectos que representa el hilo conductor del espectáculo. Gráficamente esconde un insecto en su nombre, ya que las dos “os” representan los ojos mientras que la letra “V” forma la nariz.

Para la que escribe, OVO se trata de un ser vivo, con mucha magia y cierto grado de hipnotismo que ejerce desde el momento que entra a escena. Algo palpable, que vibra y hace emerger ciertas emociones que nos recuerdan la edad de la inocencia.

Todo comienza con una reunión de insectos, ahí está una libélula, de sorprendente color azul, muy cercano al turquesa, que en un acto de técnica y limpieza nos muestra como una rama puede convertirse en un sorprendente recurso escénico para emular una parte muy pequeña del enorme universo animal a través de un perfecto lenguaje corporal, armonioso y profundamente bello.

El ritmo de esta microscópica (sólo en sentido metafórico) comunidad animal se ve afectado cuando un misterioso huevo aparece entre ellos, alrededor de éste los insectos se muestran muy curiosos sobre su contenido, objeto iconográfico que representa el enigma y los ciclos de sus vidas.

Es entonces cuando el orden de todos se rompe y la vida transcurre ante los ojos expectantes de los espectadores, los animales van reproduciendo distintas viñetas de su vida, y así vemos la sincronía y exactitud de las hormigas en un sorprendente acto de malabarismo, mientras algunas arañas y salamandras nos seducen con el movimiento y colorido de su vestuario, mientras las alturas son dominadas por mariposas de una palidez inusual –pero no por eso menos enigmática– y poderosos escarabajos mantienen la respiración del público en vilo mientras ellos se columpian a más de 40 pies del piso, haciendo acrobacias y piruetas mientras nadie es capaz de respirar.

La magia fluye, nada la puede parar ya, la música original de Berna Ceppas marca cada uno de los 10 actos que conforman OVO, dirigido por la brasileña Deborah Colker, primera mujer que trabaja como directora en las filas del Cirque Du Soleil, y quien ya ha dado muestras de su talento e imaginación en pasadas visitas realizadas a nuestro país.

Ella le dio identidad a OVO a través de un sentido estético que muestra la grandeza de la naturaleza, a través de la creación de un universo donde todo lo pequeño se engrandece, las telarañas, las hojas de los arboles, diminutos agujeros sobre la tierra e impresionantes flores que nos dan conciencia de nuestro verdadero papel en este macrocosmos.

El vestuario, creado por Liz Vandal, la iluminación de Éric Champoux y el espacio orgánico que interpreta a la naturaleza conceptuado por Gringo Cardia son parte fundamental para crear este nuevo y multicolorido show que se convierte en un hermoso viaje a un ecosistema lleno de vida y color en el cual los insectos comen, trabajan, se arrastran, juegan y pelean, todo mientras se teje un curioso romance entre la catarina y el mosquito porque al fin y cabo OVO también es amor, amor y respeto por lo que nos rodea y a esa vida que se sucede a nuestro alrededor.

Para imaginar el diseño del vestuario, Liz Vandal tomó inspiración de diversas fuentes, como Pierre Cardin, quien se enfocó en líneas y figuras geométricas. También se inspiró en las mangas recortadas de los atuendos renacentistas. Asimismo, Liz y su equipo en el taller explotaron la técnica del tableado permanente desarrollada por el diseñador japonés Issey Miyake, la cual le da cierta rigidez al material y crea un efecto orgánico donde “llevamos la técnica un poco más allá, imprimiendo sobre materiales de color, sublimando y erosionando las telas no solo para hacerlas más rígidas sino para añadirles un brillo metálico”.

En el caso de la música, Berna Ceppas combinó los sonidos del bossa nova y la samba con el funk y la música electro. Como era de esperarse de un brasileño, hay muchas percusiones en la partitura. Además insertó sonidos reales de insectos y los combinó directamente con la música de los teclados. También asignó ciertos instrumentos y temas individuales a personajes específicos.

El mundo de los insectos es un habitat estilizado que sirve de hogar a éstos, para realizarlo Gringo Cardia se inspiró en las estructuras de ciertas especies de insectos cuando crean y establecen sus nidos y colonias. Algunas veces es un bosque, otras es una cueva o incluso una casa. El objetivo de Gringo era crear un ambiente orgánico que pudiera conducir a muchos otros lugares.

OVO es una más de las mágnificas producciones del Cirque du Soleil, un espectáculo con más de 50 artistas provenientes de 16 países diferentes, todos especialistas en diversos actos circenses que hacen parecer bella la disciplina y técnica que utilizan estos artistas para hacer realidad el mundo de los insectos.

Cada una de las viñetas que nos trae OVO hace que las exclamaciones de asombro y admiración por parte del público no dejen de emitirse entre grandes y pequeños, si tuviéramos que elegir cuál es la mejor la discusión sería eterna.

Así que por favor disfruten de la telaraña, la pared donde bailan, se deslizan y se lanzan las lagartijas, la oruga que se transforma en mariposa, el saltamontes que al ritmo de quebradita sorprende con un divertido juego de diávolos, o los diferentes sketches cómicos entre el mosquito y el escarabajo que arrancan la carcajada de los asistentes, disfrútelo todo y dese la oportunidad de disfrutar y maravillarse como cualquier niño con la magia del Cirque su Soleil.

Estrenado en Montreal en abril del 2009, OVO se presenta de martes a domingo hasta el 11 de diciembre, un viaje onírico que sin duda, se convertirá en una experiencia inolvidable que modificará nuestra visión sobre el mundo de los insectos… Porque OVO es el hogar de los insectos en un mundo de biodiversidad y belleza, lleno de ruidosa acción y momentos de calmada emoción.

¿Qué es? es entrar a una divertida puesta en escena de la compañía teatral Marionetas de la Esquina donde al trabajar con un mínimo de escenografía los espectadores, generalmente niños y, claro, también los papás, participan con su imaginación para construir un espectáculo único.

El montaje está creado con juegos dramáticos pensados a partir de pautas elaboradas por la investigación. Los espacios y la puesta escénica tratan de representar temas y asuntos sencillos pero muy importantes para el desarrollo cognitivo de los infantes, de ahí las formas y texturas de los personajes. El espacio exterior es el cotidiano, donde hay muebles colores y objetos; mientras que el espacio interior juega con lo onírico y lo abstracto en una atmósfera surrealista.

¿Qué es? es una historia con títeres, para niños de dos a tres años de edad, donde lo que no se mueve, se mueve para captar y lograr la atención de los más pequeños espectadores con elementos y personajes que le digan y transmitan algo.

¿Qué es? es una adivinanza teatral, es un espectáculo diseñado por Amaranta Leyva que nace de la curiosidad por saber cómo es el mundo en nuestros primeros años de vida y como ella misma dice: “está escrita el fin de explorar la riqueza del mundo interior de niños y niñas así como despertar habilidades en la mente de éstos”.

Dirigida por Lourdes Pérez Gay y Claudio Hochman, ¿Que es? inicia en un restaurante donde un mesero sui generis arregla la mesa. Posteriormente se encuentran dos parejas y ¡¡¡zaz!!! Empieza la magia. Los manteles y los platos se transforman, al igual que los cubiertos que adquieren la personalidad de diversos personajes, al igual que hacen los niños al jugar, comiéndose literalmente al mundo, como el bicho extraño que aparece en el escenario.

¿Qué es? es la experiencia de crear y de conocer a través de ese bicho que no conoce nada pero todo quiere aprender, como los números, los colores y los sabores. Lo frío y lo caliente. El placer y el dolor. Lo dulce y lo salado. Lo seco y lo mojado. El azul y el rojo. Lo que se mueve y no se mueve. Todo, absolutamente todo sin textos y sin palabras.

Es una propuesta escénica para niños de dos a cinco años, con soporte científico… Con personajes amorfos e indefinidos que viven en un universo onírico, representación del mundo interior del protagonista, un ser que nadie sabe qué es; espacio donde los titiriteros viven camuflados con el color del universo y manipulan títeres de diferentes plásticas, materiales formas y técnicas.

¿Qué es? es una puesta en escena que gracias a los actores titiriteros Darío Álvarez, Laura Hernández, Priscila Morales, José Luis Juárez y David González, pasamos un rato agradable en compañía de los pequeños, nuestros y ajenos, que vibran y se emocionan al ver todo lo que ocurre en el escenario.

¿Qué es? es una obra de teatro que dura más o menos cincuenta minutos y se presenta todos los sábados y domingos de este año (hasta el 11 de diciembre), en el Teatro Orientación del Centro Cultural del Bosque, sí, atrás del Auditorio Nacional.

¿Qué es? en palabras de su autora, Amaranta Leyva, “experimento y juego para entender cómo piensan y cómo los niños pequeños asimilan el conocimiento“.

Y si quieres entonces saber ¿qué es? pues entonces ve a ver ¿Qué es?

Un bello espectáculo creado para los niños y para ser disfrutado por los adultos representado por la compañía Ardentía, en una idea original de la coreógrafa Reyna Pérez (reconocida miembro de la sociedad Mexicana de Coreógrafos), que invita a conocer a la pequeña Alicia, interpretada por Julieta Lara, una bailarina que de la mano de su maestro de danza –personaje caracterizado por Didier Emmanuel–, cuenta la historia del ballet y todos sus cambios a través del tiempo.

En la puerta del Teatro, había princesas y personajes mágicos recibiendo a los asistentes, esto llamó mucho la atención de los niños que estaban por entrar a la función, es decir desde la entrada los pequeños estaban siendo introducidos a un mundo mágico.

Para ser sincera, en un principio dude un poco que un espectáculo de ballet y música clásica pudiera captar la atención a un público de edad tan corta, sin embargo desde la primera nota y diálogo, la coreografía captó la atención del público pequeño.

Una idea inteligente, con diálogos simpáticos y fragmentos de coreografías de diferentes épocas y países, que muestra la evolución que ha tenido el ballet a lo largo de la historia, tanto en sus vestuarios y zapatillas, como en su técnica, Alicia en el país del ballet no dejó de atraer la atención de los pequeños espectadores.

Con bella música de Stravinski, Tchaikovski, Minkus, Soloviev, Ravel, Claude Bolling y Peter Gabriel, excelentes interpretaciones e iluminación para cada una de los bailes, Ardentía logró, que quienes fuimos a verlos, saliéramos muy contentos.

Alicia, la pequeña alumna, que al principio no está muy entusiasmada en empezar su clase de ballet, es invitada por su maestro para hacer un viaje mágico a una galería en movimiento en la cual él, le y nos fue explicando a quienes estábamos disfrutando de la presentación, la historia de la danza empezando por los cambios que ha tenido el vestuario con el paso del tiempo.

De tal manera que repasaron desde los vestidos largos, los cuales realmente eran incómodos, pero cubrían las piernas, algo muy importante a destacar eran los golos o grandes cuellos en el vestuario que usaban tanto de los hombres como mujeres, por influencia del Rey Luis XIV, hasta llegar al tutú y las mallas.

Mientras el tutor platicaba en forma sencilla las modificaciones que han existido, hizo que los niños interactuaran con él, al hacerles varias preguntas de acuerdo a la información que dio, algo que resultó muy interesante y divertido, ya que muchas de las respuestas de los pequeños nos hicieron reír.

Durante esta parte de la presentación, Alicia y su maestro, usando parte del antiguo vestuario, escenificaron un fragmento de una clase de baile, con música de Leo Delibes, acompañados por toda la compañía, la cual está conformada por excelentes bailarines como son Viridiana Hernandez, Itza Chavira, Manuela Ospina, Montcerrat Camacho, Azeneth Marín, Emmanuel Badillo, Juan Fernando Tapias y Juan Carlos Santiago, en este cuadro también interpretaron un Minuet con música de Igor Stravinski.

Continuando con el viaje a través de la historia dancística, junto con Alicia y el maestro, conocimos fragmentos de piezas de diferentes épocas y partes del mundo, así como sus principales personajes, como el arlequín y la bella colombina de El Cascanueces; para continuar con la danza de Kitri, la hija del tabernero del ballet de Don Quijote; vimos y nos emocionamos con la interpretación del Gopak, baile típico ruso; después descubrimos con Alicia, como la magia y la danza se unen en el maravilloso Lago de los cisnes con personajes como Odile (el cisne negro), Odette (la princesa encantada y convertida en el cisne blanco), quien espera ser rescatada y liberada del hechizo por el príncipe Sigfrido, al cual ama.

Por supuesto, que este viaje no podía ser completo sin vivir la fantasía del mundo de Alicia en el país de las maravillas junto con El Gato y El Sombrero Loco, el cual, de pronto, apareció entre el público en un momento inesperado y divertido para los niños, quienes lo saludaban y respondían a las preguntas que El Sombrero les hacía, fue una experiencia lúdica para grandes y pequeños. Para finalizar, disfrutamos de otra variante del ballet: la danza contemporánea.

Al terminar los integrantes de Ardentia, tuvieron un gran detalle para los niños ya que bajaron del escenario para regalar dulces y terminar de ponerle sabor a esta experiencia.

Alicia en el país del ballet es un espectáculo muy recomendable para toda la familia perfecta para iniciar a los más pequeños en esta expresión por demás bella.

Basada en una tradición huasteca, Las piedritas de Chicomexochitl es una obra de títeres para toda la familia creada por William Fuentes, quien siempre la pensó para los niños más pequeños y sobre todo aquellos en edad preescolar.

“Es una visión tan opuesta de la que tenemos en Cuba, allá la muerte es la clásica visión de la tragedia y el llanto. Cuando llegué a México me di cuenta que era todo lo contrario. Eso me llamó mucho la atención y quise indagar más sobre este mundo y bueno, poco a poco me fui metiendo en la cultura mexicana y empecé a investigar, a leer y a descubrir este mito de Chicomexochitl, que se desarrolla en la Huasteca, y a partir de ahí vi las posibilidades de crear un cuento para niños”, William Fuentes.

La historia se desarrolla en un altar de muertos, ese que ponemos todos los años el último día de octubre y los dos primeros días de noviembre, con papel picado, frutas comida, dulces, bebida, flores, fotos y tantas otras cosas que ponemos para agasajar y recordar a nuestros difuntos.

Y en su texto, inteligente y divertido, nos plática de cómo un buen día los hermanos Chicome y Xochitl se escaparon del Cincalco, que en náhuatl significa “casa de las mazorcas” y también se le considera la entrada al inframundo. Fue así que su visita permitió que la cosecha de maíz fuera más abundante que otros años, sin embargo la calaca andaba tras ellos.

Estos hermanos que eran tan parecidos entre sí como dos gotas de agua, aprovecharon esta situación para burlarse de la muerte y entre canción y canción se le escaparon y… Quiéres averiguar que más pasa, pues diles a tus papas que te lleven algún domingo –hasta el 30 de octubre– al Teatro Helénico, al sur de la Ciudad de México, para descubrir cual es final de esta historia donde conoceras a los traviesos duendes del maíz que hacen que todos los años los elotes crezcan muy grandes para que no nos falten ni los tamales ni el atole. Dos personajes que se le escabullen a la “Calaca” para permanecer en el mundo de los vivos.

Una leyenda que cobra vida gracias a los actores titiriteros Sofía Padilla Arana, Adriana Ramona Pérez, Cinthia Patiño Urrea y Santiago Bernal Abreu, quienes a través de diversos tipos de títeres nos divierten por igual a chicos y grandes y de paso nos ayudan a conocer nuestras celebraciones. Porque como dice William Fuentes, “todos los que participan en esta producción pusieron mucho de sus recuerdos de su niñez, sobre todo en la parte de las canciones y los juegos, para lograr este cuento escénico que aun cuando es sencillo pretende rescatar la leyendas orales de los pueblos, en este caso el Día de Muertos, el cual representa una parte muy importante de la cultura mexicana”

En el sentir de esta tradición los personajes cobran forma y vida gracias a la técnica del guiñol, que por si no los recuerdan son los de guante; también están los de varilla, que gracias a la manipulación de una varilla se mueve el cuerpo. Además, vemos a los morotos, que son los muñecos que se salen del escenario gracias a que se cuelgan del cuello de los actores, se enganchan a sus pies y con las manos los artistas mueven las varillas para darle vida a cada títere.

La joya de la corona –en este caso de los títeres– es la “Calaca”, que a partir de la técnica del teatro negro la podemos ver en una graciosa coreografía donde pierde la cabeza; y a través de un muñeco tipo mojiganga, que es manipulado por dos personas –una para mover las manos y la otra la boca y el centro del muñeco– te arrancará una “risa loca” que te hará “tener ganas de hacer pipí”.

“La idea de utilizar títeres partió de las posibilidades de movimiento y acción que estos ofrecen. Además de utilizamos la técnica de luz negra en una parte de la narración, donde el titiritero desaparece para dar vida propia a la calaca, quien al tener un fondo negro y un vestuario fluorescente se puede ver desarticulada”, William Fuentes.

Las piedritas de Chicomexochitl, es una historia que no sólo genera vínculos con nuestras costumbres, también es un divertido cuento con títeres, juegos y música, una experiencia diferente que cuando la vea toda la familia se encantará y querrá aprender más sobre los indígenas nahuas y sus relatos de cómo se originó el maíz, otra de las tantas leyendas y mitos que con respeto han pasado de generación en generación.

Cosas que se dicen es un divertido relato de Angélica Roel y el propio Saldaña que narra la historia de Alfonso, un cuenta-cuentos profesional que siendo niño descubrió lo catastrófico que pueden llegar a hacer las mentiras, incluso esas que llamamos “mentiritas blancas”, que de tanto crecer se convierten en una enorme bola de nieve que no puede detenerse.

En esta divertida “comedia infantil” que los autores confiesan como, “hecha para los niños con guiños hacia los adultos” se aborda el tópico de la mentira pero más allá de asumirla como clásica postura santurrona que busca aleccionar o dictar moralejas, habla de la propagación de la falacia como una acción que aprenden los pequeños de los adultos, una costumbre transmitida con el ejemplo y justificada con falsos discursos morales.

Con un despliegue de personajes que incluyen a un divertido perro e incluso a un súper héroe de historieta, Cosas que se dicen tiene todos los elementos para hacer reír con ganas a grandes y pequeños, se trata de un juego planteado en el escenario con ritmo y soltura, con inteligencia y con una buena dosis de irreverencia.

No se trata de pretender enseñar a los niños a no mentir sino de mostrarles que se vale señalarle a los adultos las costumbres que a veces –inconscientemente– propician en sus hijos a través de un lenguaje sencillo sin grandes pretensiones, un obra inteligente sobre la niñez contemporánea.

“Hay textos que rayan en una cuestión demasiado poética, a veces los textos necesitan ser sólo divertidos, en este caso donde línea temática es la mentira más allá de lo moral buscamos que los niños cuestionen a los padres y que la familia aprenda y ría a la par”, José Luis Saldaña.

Asimismo, como parte del valor e importancia de los adultos mayores en la vida de los más pequeños, Cosas que se dicen toca la relación especial que se establece entre los abuelos y los nietos, en este caso Poncho y su abuelo tienen ese vínculo especial y, es precisamente éste, quien con sus historias fantásticas muestra al pequeño el valor de la fantasía, “entre ellos, la diferencia entre la ficción y la realidad es un acuerdo tácito”.

Con las actuaciones de Marcos Duarte, Mariannela Cataño, Valentina Sierra, Omar Medina y, el propio, José Luis Saldaña, Cosas que se dicen es un viaje al pasado donde los niños verán como el pequeño Poncho llegó a convertirse en un cuenta cuentos de oficio y no un mentiroso de vocación.

Bajo la dirección de Angélica Roel, esta propuesta es una divertida narración escénica que muestra que las mentiras pueden servir para sacarnos de un problema, pero al final, pueden convertirse en un problema mayor y más difícil de solucionar… Un relato que se presenta sábados y domingos –hasta el 25 de septiembre–, en el Teatro El Galeón del Centro Cultural del Bosque. Un retrato del niño que más de uno quisiéramos ser.

“Cosas que se dicen nació porque el teatro tradicional infantil se enfoca en el niño como si los adultos no estuvieran involucrados, cuando aprendemos a mentir por los padres. Esta obra muestra también los niños que a nosotros como público nos hubiera gustado ver en escena cuando íbamos al teatro, un niño más parecido a uno”, Angélica Roel.

Si tú me preguntas a dónde puedo ir este fin de semana nosotros te decimos sin dudarlo que tienes que ir, si quieres vivir toda una experiencia familiar, a disfrutar de un viaje por el mundo de la imaginación y un juego por las artes visuales con humor y música en vivo, tienes que ir a ver Humor en Cubos, un espectáculo del mejor clown mexicano, Aziz Gual.

“Un clown es un payaso que busca ser menos disfrazado y menos maquillado, mucho más cercano a las personas, mucho más humano, no tanto en su apariencia física sino en su particular manera de trabajar y construir las cosas. Tiene mucha relación con la improvisación y con el público. En resumidas cuentas es un ser transparente, frágil y humano que habla el lenguaje del corazón”, Aziz Gual.

Pero bueno, quizás te preguntarás ¿Humor en Cubos? ¿Qué es? La verdad, el cubo es el pretexto para explotar la imaginación, soñar y conocer un mundo fantástico creado por Gual y sus amigos. Con mucho pero mucho humor, y claro todas esas sensaciones las podemos conocer, en dónde más, en el Teatro Julio Castillo, del Centro Cultural del Bosque, sí, ese espacio que está atrás del Auditorio Nacional.

En este teatro, todos los sábados y domingos de agosto y septiembre (a las 12:00 horas) podrás conocer como el personaje creado por Aziz Gual y sus cinco amigos-cómplices-compañeros pondrán de cabeza lo lógico de lo cotidiano (desde servirse un vaso de leche bien fría hasta despertar y estirarse en la cama) acompañados de una muy buena y divertida música en vivo con la Orquesta Lavadero. Los músicos son Ernesto Juárez en la batería; Omar Medina, bajo; Pablo Ramírez, clarinete; Manuel Viterbo, guitarra y Edwin Tovar, en los efectos sonoros.

Humor en cubos es el rostro del ingenio y la gracia, una aventura esperanzadora, sin fronteras. Una invitación para construir un mundo imaginario y dejarnos llevar por la risa, la sorpresa, en una simple y genuina idea de provocación clownesca. En su escenificación participan los actores Armando Tapia, Benjamín Martínez, Valerio Vázquez, Ivan SkinfillGerson Martínez y por supuesto Aziz Gual.

¿Qué más vas a poder encontrar en esta maravillosa puesta en escena? Como tengo un poco de tiempo y paciencia, en estos momentos te lo cuento. Dinamismo, creatividad y locura. Porque, ¿te imaginas salirte del cuadrado? ¿del cubo? Pues bueno, este grupo de excéntricos clownes-actores nos enseñan a hacerlo, de una manera diferente, para empezar imagínalos todos vestidos de blanco, con sombreros y pantunflas cúbicas —qué raro que todo sea cúbico, ¿verdad?— y después, interactúan con rostros que aparecen en enormes cubos, sí caras o personajes plásticos, imaginadas y pintadas por el propio Gual, que a partir de los movimientos de los cubos se reflejan tristes, enojadas, felices y otras tantas fantásticas expresiones.

Y es que al estar fuera del cubo podemos, bueno, ellos pueden pasar de la melancolía a la alegría, sentimiento que prevalece en toda la puesta en escena y claro, esta situación hace que prolonguemos nuestras carcajadas durante toda la obra. Así de maravilloso son las seis caras del cubo.

Como podrán ver no se trata de una obra de teatro tradicional. La gracia y el ingenio de Humor en Cubos hacen que sea una experiencia memorable e inolvidable en la que el cubo se vuelve el pretexto idóneo para imaginar, soñar y habitar un mundo alejado de la realidad donde impera el humor.

“En Humor en Cubos, se cuenta la historia de un clown que se queda dormido profundamente y se desdobla en el sueño encontrándose con muchos cubos, a través de los cuales puede crear imágenes inenarrables. Es como el cubo de rubik, sólo que aquí se encuentran formas y es un lenguaje más que una obra de teatro, porque es un lenguaje infinito con el cual si haces muchos cubos puedes encontrar una infinita posibilidad de imágenes, pero todo esto aderezado con el lenguaje del humor, del corazón, que es el lenguaje del clown”, Aziz Gual.

Nosotros ya decidimos regresar a ver Humor en Cubos. ¿Y tu, nos quieres acompañar?